ELECTRIC FUNERAL.- «The Wild Performance»

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Guerssen Records recupera una de esas joyas perdidas que estuvieron escondidas durante muchos años en algún sótano oscuro y húmedo. Los suizos ELECTRIC FUNERAL grababan allá por el año 1970 un álbum que es una auténtica bestialidad del proto-metal. Estamos ante unas grabaciones recuperadas y remasterizadas pero que mantienen toda la crudeza con la que fueron hechas. Temas en vivo y cintas caseras en las que Edi Hirt (batería), Pierrot Wermeille (bajo), Alain Christinaz (guitarra) y Dominique Bourquin (voz) tocaban el proto-,etal que tanta gloria dió a formaciones como EDGAR BROUGHTON BAND, PENTAGRAM o BLACK SABBATH, de los que incluso tomaron el nombre de su tema incluido en el álbum «Paranoid».
Once temas que son toda una patada en el trasero a través de pesados riffs, voz chillona y las suficientes dosis de psicodelia ácida como para corroer toda lo que tocaran.

Evidentemente la calidad de estas grabaciones deja bastante que desear, pero sin duda, se trata de un documento sonoro del que merece la pena disfrutar.

Lo salvaje de su música, el lugar donde grabaron, y el éxito que los oscuros sonidos Sabbathicos han tenido para varias generaciones, hace que tengan un espacio aquí.

En la edición que ofrece el sello español se incluyen cuatro temas que no estaban en el primer registro en vinilo que se hiczo en el año 1991 en una edición de 200 copias.

ELECTRIC FUNERAL en sus tiempos no encontraron compañía que se decidiera a publicar sus grabaciones, pero al menos como un documento de época, en la actualidad podemos comprobar toda su fuerza.

Si no te importa la baja calidad de sonido y te quedas solo con el contenido, podrás asombrarte de esta barbaridad sonora. Un registro completamente electrizante.

 

ELECTRIC MARY.- «Mother»


ELECTRIC-MARY_med-e1544473010508Sin hacer prisioneros los hard-rockers australianos presentan el que probablemente sea su mejor disco hasta ahora. Un disco que ruge, que huele a bourbon y que viene cargado con la energía rockanrolera que les caracteriza. Habiendo compartido escenario con la flor y nata de la escena rock, el quinteto de Melbourne ya no necesita convencer a nadie de sus cualidades. Si en sus tres trabajos anteriores sonaban rudos, en «MOTHER» no existen sutilezas, pero los arreglos de los temas hacen que estemos ante un disco redondo en el que no falta nada.  Publicado por Listenable Records.

Temas con fuerza recuperando el legado Zeppelin como ‘Gimme love’ . o ‘The way you make me feel’, éste último con un ritmo diabólico en el que se las guitarras aúllan, o guardando pleitesía a  AC-DC como ‘Hold onto what you got’. en el que los solo virtuosos conviven con ecos sureños. Canciones cortas y directas llenas de energía.  Un disco que nos traslada al rock de grandes estadios con momentos retro-rock en los que el blues está latente como “How do you do it’; en el que se retroalimentan de su propio carácter, marcado por la ahogada voz, para ir subiendo las revoluciones.

Como excepción, y saliéndose un poco del guion, ‘Long long day’ muestra otra cara algo diferente a la que nos tienen acostumbrados. Un corte oscuro y humeante a modo de pseudo-balada psicodélica como las que nos tenían acostumbrados los mismísimos Whitesnake en sus comienzos. Más pesados y plomizos adornan el corte con ornamentos envolventes y reconfortantes en una especie de trance hipnótico, lo que lo convierte en otra de las joyas contenidas en  «MOTHER»

Una gran producción y un impecable sonido realzan cortes con una nítida influencia Free como ‘Sorry baby’, en el que brillan con luz propia los registros y el groovy de su vocalista Rusty. Intensas guitarras contrastan con momentos en los que la calma viene de la mano de seductores registros llenos de sentimiento y fuerza. Este corte podría definir parte de la carrera de Paul Rodgers en sus distintas bandas, Free, Bad Company, The Law,…., ya que el legado de los ingleses siempre fue seguido por ELECTRIC MARY desde sus inicios.

Estribillos pegadizos en ‘It’s all right’ recordando a los Slade más macarras, con sus pantalones de campana cabalgando por vaporosos pantanos sureños, combinándolos con riffs elevan a ‘MOTHER’ a un estrato superior su discografía. Una banda que suelen visitarnos con asiduidad y que esperemos, pronto podamos degustar estos temas próximamente por estos lares.

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RIVAL SONS.- «»Feral roots»

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La banda californiana RIVAL SONS nos presenta su séptimo álbum via Low Country Sound / Atlantic Records. A estas alturas de la película, hablar de una banda como ellos sigue siendo hablar de rock clásico, con un marcado acento sureño, y muchas reminiscencias blues, pero, a pesar de llegar diez años en activo, cada nuevo álbum suyo es una buena experiencia para seguir disfrutando de la música que nació en los setenta. Si desde siempre su sonido ha estado ligado al legado de Led Zeppelin, en RIVAL SONS existen multitud de influencias que la banda actualiza al siglo XXI, y «FERAL ROOTS» es un claro ejemplo. Unos temas que siguen teniendo «duende» y que gracias a la costumbre de grabarlos en vivo en el estudio mantienen toda la fuerza. rock atemporal. Si hay algo que destacar es la magnífica salud que tiene la voz de Jay Buchanan, auténtico motor de la banda. Pero ademas seguimos encontrando prietos riffs complementados con magníficas melodías y una exuberante sección rítmica. Una banda que puede ser efectiva ante las grandes masas y que no defrauda a los más puristas. 

La poderosa batería que inicia «Do your worse» nos traslada a Led Zeppelin. Un timbre vocal lleno de fuerza a caballo entre Paul Rodgers y Robert Plant lleno de garra, nos lleva en volandas sobre unos ritmos y coros con una cadencia que se apoya en los ambientes sureños a los que nos tienen acostumbrados. En una línea similar, «Sugar on the bone» con algunos momentos de órgano incide en sonidos biker rock, con unos coros y carencia que me recuerda a los alemanes The Picturebooks. Un tema rural, en el que los efectos y distorsiones entran y salen cambiando constantemente la ruta pero sin salirse de la carretera.

«Back in the woods» refleja el lado más desértico de los californianos. Sucios y arenosos riffs desatan la fuerza blues-rock. La garra de la voz de Buchanan es compensada con unos coros acaramelados sobre las nebulosas rítmicas y algún guitarra punzante aquí y allá. 

Temas como «Look away» o «Feral roots» se apartan de los dictados más tradicionales del sonidos de la banda. las guitarras acústica toman protagonismo entre las logradas melodías. El primero de ellos acaba convirtiendo su sonido en algo cercano a la etapa de los noventa de Bad Company acercándose a dictados A.O.R. Esto lo encontramos también en «Imperial Joy» en la que los coros nos llevan a esos momentos de rock adulto sin perder el espíitu de la banda. Una apuesta más contenida que la garra y crudeza de los temas precedentes. Profundizando mucho más en «Feral roots», en el que la profunda voz nos seduce sobre un blues con marcado acento sureño. Lánguido y melancólico, pero mágico a su vez, toma prestado algunos momentos con influencias folk para transformarlos y adaptarlos a su personal estilo.

 

Si con crujientes riffs de hard rock la banda se siente como pez en el agua, lo cierto es que con temas como «Too bad», en el que las melodías atractivas se soportan sobre medios tiempos, la banda no se mueve nada mal. Bueno, realmente estamos ante un pequeño truco de prestidigitador. Un tema que poco a poco va elevándose, evolucionando a un estado de fuerza que hace las sedosas voces vayas recrudeciéndose según va avanzando el corte con un duelo de guitarras a cual más incisiva. Claramente un tema que va de menos a mas. Esto es algo que tiene en su haber esta banda, cuando parece que se ponen «blanditos», surgen de sus cenizas para transmitir todo su poderío, sin mirar el escenario en el que se encuentran.  Si al principio destacaba que las influencias y versatilidad de la banda no tiene fin, «Stood by me» me da la razón.

Un corte fresco en el que algún eco funky se fusiona con coros soul. La sutileza se conjuga con la maldad de unos riffs hirientes, de tal manera, que uno no sabe si está en California, o en algún esta de la Confederación. Este gran activo que posee RIVAL SONS de saberse mover en distintos entornos debería darles un reconocimiento mayor si cabe del que tienen. Otro peculiar corte es «Shooting stars» con coros casi gospel y una voz que se mete en el pellejo de Fredy Mercury en un tema en el que el soul está más presente que nunca. Unos acordes y voces soul que siguen teniendo su parte blues y en el que las voces vuelven a resaltar por encima de unos instrumentos que permenencen agazapados hasta que llega su momento de gloria. 

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OUT DEMONS OUT.- «Restless blues EP»

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Si Alemania siempre se ha caracterizado por la fertilidad para el nacimiento de bandas, en los últimos tiempos se está comprobando que la cosecha de la ciudad de Colonia está siendo muy productiva. De allí nacen OUT DEMONS OUT, un cuarteto que con su nombre ya nos da alguna pista de cual es su herencia genética. Tomando como nombre el tema de la mítica formación de EDGAR BROUGHTON, hace que nuestra curiosidad se despierte por escuchar el contenido de su primer EP. una curiosidad que se ve recompensada por cuatro temas en los que encontramos altas dosis de hard-blues setentero. Un nuevo viaje en el tiempo de esos que tanto me gustan y para el que hay que ponerse cómodo para disfrutar en plenitud. Psicodelia de tonos vintage junto a riffs stonerizados con mucho gancho hacen de éste debut sea algo prometedor que merece tener una continuación y reconocimiento. Posiblemente muchos califiquen esto como «Retro-rock», pero aquí lo menos importantes son las etiquetas, lo fundamental es la calidad de los surcos de «RESTLESS BLUES EP», y de eso, andan sobrado los alemanes. 

«Restless blues»  rezuma blues con muy groovy sureño bajo un manto de hard rock vintage . Una voz ahogada por una riffs y una armonías que se impregnan de aromas psicodélicos y que van ondulando desde la luminosidad hasta espacios en los que la calma se ve invadida por los atractivos solo de las guitarras.

Susurrante y partiendo de acordes de bajo, las guitarras se van elevando sobre espacios de psicodelia coloreada de algún riff stoner en «Demonslave». una pista con una increíble cadencia y tonos retro. Uno de esos temas que puedes poner a alguien que nunca lo haya escuchado y seguramente lo dataría a primeros de los setenta. Bien estructurado y con el suficiente gancho para que cuando el tema acabe quieras más. 

Las influencias stoner aparecen en un dinámico tema como «Loosing roots» . Pegadizos riffs retro te ensanchan desde el primer momento. Uno de esos cortes que hacen que el personal haga oscilar sus melenas al viento llevadas por el balanceo de sus cabezas. Pegadizos riffs que inciden en la genética de la banda, ritmo, mucho ritmo, y una voz ahogada que sale de las nebulosas en las que nos envuelve el joven cuarteto. Cada músico con su roll para construir otro brillante tema. 

Nuevamente sobre espacios cannabinoides, «Their grass ain’t greener» camina sobre una fusión de psicodelia humeante que va elevándose hacia espacios de hard-blues setentero. Puede que estas vibraciones son sean familiares pero es como el bouquet de un buen vino, cuando abres una buena botella y lo catas, su sabor te resulta familiar, pero eso no impude que disfrutes de él. Así son OUT DEMONS OUT, una banda que su sonido te resultará familiar, pero que te hará pasar un fantástico cuarto de hora con «RESTLESS BLUES EP». Esperemos que ésto tenga continuidad porque las sensaciones han sido alentadoras.

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SPIDERGAWD.- «V»

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Una de las bandas más destacadas en el panorama noruego, SPIDERGAWD parecen ir a contracorriente, con una involución en su creatividad compositiva. A un disco por año, su sonido ha ido modulándose  hasta llegar aquí. Prolíficos como pocos, nos presentan un álbum que es puro hard y heavy rock sin complejos. Un disco que huele a sudor con sus poderosos riffs, pero un trabajo en el que las melodías están mimadas con esmero. Recuperando con su propia identidad vibraciones que ya nos regalaran Kiss, Iron Maiden, Grand Funk, Thin Lizzy, Motorhead, Q.O.T.S.A, etc… y fusionándolos con momentos Tempest. Con la habilidad suficiente para que sus canciones no resultan nada anodinas, SPIDERGAWD construye temas que pudieran convertirse en himnos aportando sangre fresca a un panorama saturado de propuestas cortadas por el mismo patrón. La inclusión de el saxo Rolf Martin Snustad en alguno de sus temas les dota de una versatilidad y un atractivo mayúsculo. Aunque siguen la estela de las reverberaciones heavy-rock de los ochenta y del hard más sudoroso de los setenta, «V»  es una atractiva propuesta huyendo de composiciones con sabor rancio.

«All and everything», el tema con el que se abre esta quinta entrega, es de esas canciones que en otros tiempos hubiera sido considerado todo un himno, y quién sabe si ahora también. Estribillos pegadizos de los que no puedes dejar de tararear durante días tras su escucha, unido a una energía que no está reñida con la calidad creativa hacen que estemos ante unos de esos temas perfectos. Con una introducción a cargo del saxo, para dejar paso a leves ecos de Grand Funk o de las formaciones más punteras de la escena del hard más pesado de finales de los años setenta o de los primeros ochenta, cuando el heavy-rock estaba en su pleno esplendor, construyen un corte con cuidadas melodías sobre una base rítmica comandada por la implacable batería de Kenneth Kapstad . Esa batería que se convierte, desde mi punto de vista, en el verdadero pilar de la formación. Estribillos y coros que se incrustan en nuestra cabeza sin que podamos escapar hacen el resto para que «All and everything» se convierta en el estandarte de este nuevo trabajo. Si a eso unimos un cierto aura progresiva en sus composiciones, que, aunque más leve que en sus anteriores discos,  la tormenta perfecta está formada.

Solos afilados en pura vena heavy-rock se combinan en «Ritual supernatural» con unas atractivas melodías, tanto vocales como en la composición, para crear un tema que parece una fusión de Thin Lizzy hacia postulados A.O.R. Aderezados con solos de guitarra virtuosa y una densa instrumentación hace que el corte no baje el pistón.

Si antes comentaba que la batería juega un importante papel, no menos importantes es la voz de Per Borten y los coros que la acompañan.

El sonido de Kiss se siente en «Twentyfourseven». Rudas voces y menos melodías en uno de los cortes más duros. Conjugando heavy-rock con sonidos desérticos. Un tema áspero y profundo.

Tras la tempestad, los noruegos nos dan un fugaz respiro con los primeros acordes de «Green eyes». En realidad se trata de un pequeño espejismo en el que nos muestras su lado más oscuro tras difusos riffs sobre esa impactante batería. Esparciendo fuzz a diestro y siniestro, van engordando un corte con su rabia habitual envuelta en una nebulosa arenosa. 

Atmosféricos, oscuros y pesados, «Knights of C.G.R», supone el regreso a escenario heavy-progresivos de gran calado. Una faraónica composición que sigue incidiendo en la apuesta NWOBHM. Muchos son los alicientes que tiene «V», un disco en el que no faltan riffs retro-rock, con el el caso de «Avatar», para acabar sumergiéndose en territorios más propios de la escena jazz rock progresiva de mediados de los setenta gracias al sonido de ese saxo tan atípico en este tipo de bandas. Dentro de este catálogo de grandes temas, aparece «Whirlind rodeo», otro de esos temas a los que no les falta detalle, riffs retro, momentos de hard-progresivo, voces y coros heavy-rock. Todo cocinado bajo una densa y ampulosa instrumentación que jamás pierde el ritmo y en la que se incrustan melodías que nos llevan a espacios más psicodélicos.

A ritmo frenético, «Do I need a doctor»,  no se anda con sutilezas. El lado más bestia de los noruegos se deja sentir en un diabólico corte de heavy-rock sin paliativos. Voces desgarradas sobre ritmos infernales con toda la energía que les queda, que es mucha. Pegadizos estribillos vuelven a adornar otro gran tema al que no falta a su cita el fuzz entre los hirientes solos.

Después de su escucha completa, solo queda volver a darle al play y subir de nuevo el volumen.

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