Reseña: LA ERA DE ACUARIO.- ‘La Era de Acuario’

El sexteto mexicano LA ERA DE ACUARIO publicaba en 2019 su EP ‘LUNAR’. Ahora el sello peruano Necio Records incluye en su catálogo aquel trabajo convertido en un LP con ocho canciones, entre las cuales están incluidos los temas de ‘LUNAR’. Un florido álbum en el que los ecos west-coast y el aroma hippie de finales de los 60’s se refleja en cada una de sus bellas canciones. La evocadora portada de Robin Ginsta nos da ya pistas de su contenido. Una apuesta por los sonidos neo-psicodelicos con un fuerte aroma vintage, en los que afloran coloridos vientos exóticos para crear temas de gran belleza. Las canciones del álbum no dudan en visitar el Londres de fin de la década prodigiosa para empaparse de fragancias beat de indudable tono retro. Temas suaves, con melodías de confitería, que nos llenan de una sensación de ese espíritu hippie que floreció hace cinco décadas. Como si no hubiera pasado el tiempo, la banda sonora del ‘verano de amor’ es capturada por estos jóvenes mexicanos para ofrecernos media hora de paz y amor. Balsámicas y reconfortantes canciones que habitan entre unas atmósferas místicas que se vuelven más turbulentas con difusos riffs, y pasajes de neo-psicodelia del siglo XXI. Esa combinación hace que su escucha sea fascinante y liberadora. Las afiladas guitarras saliendo a escena solo en el momento justo, junto a un órgano hammond que llena la atmósfera de un sabor añejo, unido los algodonados pasajes vocales, consiguen una combinación verdaderamente fascinante. No faltan momentos más turbios y pesados, lo que supone un nuevo aliciente para el oyente, si ya, con esas vibraciones del pasado, no fuera suficiente. Misticismo, sosiego, psicotrópicos y algún momento más pesado y ácido, se meten en una coctelera de la que se consigue un brebaje sonoro apto para todos, seas o no un amante de la psicodelia. Un huele a flores pero que también huele a humo cannabico, y sobre todo, a fragancias extasiantes y balsámicas para aislarnos del trepidante mundo en el que vivimos, gracias a las fantásticas vibraciones que nos trasmite.

LA ERA DE ACUARIO fue fundada en 2018 por Ximena Gama y Sabu Aviles y todas las canciones de este debut fueron compuestas por la banda excepto, Hippie Hippie Hurra** que pertenece al francés Jaques Dutronc. ‘LA ERA DE ACUARIO’ fue grabado, mezclado y producido por Sabú Avilés en Pysch Out, mezclado por Ivan Almanza en Madrigera Studio CDMX en 2.019.

‘Om ganesh’ se desarrolla en una florida atmosfera psicodélica. Una cadente introducción nos sumerge en un mundo mágico de neo-psicodelia heredera de los sonidos florales de la west-coast de finales de los 60’s. Con riffs ásperos, pero manteniendo en su conjunto, un espíritu amable, el tema ondula constantemente entre sonidos vintage. Fuertes guitarras, una dulce voz y el cálido sonido del hammond arropan el tema. También encontramos algunas veleidades de mágico exotismo. Colorista y nebuloso a la vez el corte nos lleva en volandas en una nube de fascinante psicodelia en la que no falta algún elemento progresivo dotando la canción de un cierto carácter retro con gran misticismo.

Embutidos en ese traje entre lo vintage y la nueva psicodelia del siglo XXI, ‘Lunar’ conjuga suaves y dulces melodías con arrebatos más experimentales, ofreciendo un tema plácido y sensual. Sus riffs difusos nos acercan a un espacio más tenue y psicotrópico. El tema mantiene el tono suave a pesar de los aderezos más rugosos de alguno de sus riffs. Sin duda consiguen crean un caleidoscopio sonoro multicolor en el que caben resonancias fascinantes junto a otros más inquietantes.  La canción está llena de constantes efluvios lisérgicos.

‘Agujero negro’ conjuga elementos espaciales con la psicodelia exótica y aromática predominante en el álbum.  Entre sonidos orientales y vibraciones más propias del Mediterráneo la dulce y celestial hace de bálsamo a los coloristas sonidos en los que habita la canción. Sin perder el tono espiritual presente en todo el álbum los giros se suceden sin perder el alma hippie con el que la banda se siente identificada. Con Guitarras hirientes en su parte central, dotan al tema de una acidez comedida que no resulta ruidosa, sino que se complementa con el resto de las vibraciones del tema.

Describiendo una atmósfera vintage, ‘Etéreo’ incide en la apuesta neo-psych de LA ERA DE ACUARIO. Con un sonido propio del siglo XXI consiguen aportar ecos del pasado para construir un nuevo tema con reminiscencias 60’s. Órgano, guitarras y sonidos flotantes conforman una canción sencilla que en sus entrañas esconde algún momento más pesado.

Con flores en el pelo y una vestimenta colorida, ‘Fotografía’ rescata las vibraciones ‘flower-power’ en un tema suave, blando y lleno de sensibilidad. A pesar de su aspecto frágil, seguimos encontrando elementos más contemporáneos en una canción que bien podría haber sido compuesta en 1967. Psicodelia pop con un aire beat que sigue el lema ‘paz y amor’.

‘Bailando en el mar’ sin salirse de las atmósferas psicodélicas caleidoscópicas, conjuga las suaves voces pop con pasajes envolventes llenos de efectos lisérgicos. Un tema sencillo, pero con los suficientes ornamentos como para mostrarse atractivo para el oyente amante de los ecos vintage

Etéreos sonidos y melodías celestiales van construyendo ‘Orgón’. Neo-psicodelia en estado puro. Sin estridencias y siempre con vibraciones susurrantes conseguir crear un espacio nebuloso que se eleva en busca de una pesadez que, a la postre, resulta de lo más efectiva. Sus narcóticos pasajes parecen habitar en insondables lugares con un aura misteriosa. Nuevamente aparecen los elementos exóticos para dar luz y aromas a una canción algo más oscura que las restantes del álbum.

El álbum cierra con un tema con título lo suficiente evocador como para hacernos idea del contenido del trabajo. ‘Hippie hippie hurra’, muestra a la banda instalada en esas dulces sintonías hippies de finales de la década de los 60’s. Aterciopeladas melodías con sabor a miel conviven con algunos desvaríos psicotrópicos y momentos de un sinfonismo lleno de exotismo y algo de mística.  

La Era De Acuario

Necio Records

Reseña: THE SO-CALLED.- ‘Return Of A Band Called So

‘RETURN OF A BAND CALLED SO’, es el segundo álbum lanzado por THE SO-CALLED, después de su debut ‘HOUSE OF THE SO’ publicado en 2020. En muchos sentidos un pariente cercano a su predecesor, ya que todas las canciones de ambos álbumes fueron grabadas en las mismas 12 horas de sesión de estudio. Lo que ambos álbumes también tienen en común es más que un guiño pasajero al enfoque de los grandes power-trio de finales de los 60 y principios de los 70, un énfasis en la musicalidad, la libertad de expresión y la intensidad dinámica implacable, reconociendo por supuesto la riqueza musical de pasado, mientras que al mismo tiempo posee una identidad distintiva progresiva propia. THE SO-CALLED no están interesados ​​en copiar, o rendir tributo al pasado, sino que prefieren enfocar energías en la creación y la innovación, escribir canciones originales, avanzar sin miedo hacia el subsuelo en busca de reinos desconocidos, y si no se pueden encontrar. La banda es originaria de Dublín, aunque en la actualidad tienen su sede en Atenas.  Las canciones transitan por el lado salvaje del garage-punk, el psycho-billy y el rock de siempre. Guitarras sucias y una actitud punk, hacen que cada tema resulte una invitación a la fiesta en la que los tonos vintage se vislumbran en cada tema. Aún así, la banda tiene su sonido propio, lo que hace que el álbum ofrezca una escucha agradable insuflando buenas dosis de energía.

La banda la componen, Jude Shiels en voz y guitarra,á fuertemente influenciado por Jimi Hendrix, Eric Clapton, Freddie/BB King, así como por Django Reinhardt, Charlie Parker y Charlie Christian. Noel Martin Jr. a la batería; todos un fanático del jazz y amante apasionado de la fusión de Tony Williams del quinteto de Miles Davis y Lifetime, y también ve a Art Blakey, Jack DeJohnette, Elvin Jones y Philly Joe Jones como grandes influencias, entre otros. Por último, The Pirate en el bajo, no mira demasiado lejos de las novelas de Robert Louis Stevenson en busca de inspiración.

‘Survival Song’ nos muestra el frenesí de su garage-rock con riffs sucios y voces macarras, pero no solo eso, si el ritmo no para, la guitarra se desangra recuperando el legado de Hendrix con una actitud punk.

‘Estimated Street Value’ parece ser una una revisión de los albores del punk y el pub- rock. Su marcado bajo y las sucias guitarras acompañan una voz alternativa tonos Bowie y un aura a algunos momentos me evoca pasajes de Thin Lizzy. Buenas guitarras sobre el inquebrantable ritmo hacen el resto para que el tema nos seduzca sin remisión a uno de los temas más logrados del álbum.

Por una senda psycho-billy,el sonido añejo y las voces macarruzas, danzan entre el atropellado ritmo en Tolka Valley Tuesday’. Cadente y contagiando energía el tema se va volviendo mas turbio en su evolución. El incesante y sucio sonido de las guitarras contrasta con la fuerza del sonido de las cuatro cuerdas.

Por la senda del rock and roll con actitud punk la fiesta continúa con ‘Anto’s Down In Quirky’s’.Rockabilly de tupe engominado y calcetines al viento con un sonido festivo que me recuerda a algunos temas de The Pogues. Sus pegadizos estribillos son toda una garantía entre los diabólicos solos de guitarra asesina.

En una atmósfera más sombría y como salido de un callejón oscuro en mitad de la noche, The Farewell Kiss’, con una cadencia vocal más profunda y grave supone un cierto giro al sonido de los irlandeses. Nuevamente bajo los auspicio del bajo, Las guitarras asesinas toman un tono más lisérgico entre crudos tambores.

‘Wasted Destiny’ ofrece un nuevo aliciente al oyente. Un tema más aterciopelado y en forma casi de balada, la canción se aleja de los ritmos salvajes para acariciarnos con bellas melodías coloristas. Si los temas anteriores se balanceaban entre el asfalto, aquí los tonos campestres son los protagonistas. Imagina los comienzos de Rolling Stones e identificaras en sonido en el que los solos de guitarra se presentan a su cita.  

Rockabilly de garito de dudosa reputación con olor a bourbon y cerveza con espíritu festivo. Eso es ‘Enough Is Never Enough’ una canción vibrante con sabor al oeste e ideal para la fiesta que conjuga el espíritu del sonido americano de los 70’s con las vibraciones británicas del final de esa década. Toda una invitación al baile y al desenfreno.  

‘Litany For A Dark Angel’ pone el cierre al álbum rompiendo los esquemas de los cortes anteriores. Si el resto de los temas duran entre 3 y 4 minutos, aquí se dejan llevar por un tema de mas de 8 minutos. El resultado es un caleidoscopio de sonido y vibraciones vintage en las que el legado de Hendrix queda patente en los constantes e hirientes solos de guitarra que crean una auténtica bacanal.. Una brillante forma de cerrar un álbum que se degusta con facilidad.

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Reseña: CANCERVO.- ‘I’

El trío procedente de los alrededores de la ciudad italiana de Bérgamo se inspira en el entorno natural que les rodea para crear un álbum conceptual en el que los lugares y los cuentos populares quedan reflejados.  CANCERVO, en su álbum debut ‘I’, nos cubren de plomizos riffs y pasajes atmosféricos de psicodelia pesada bajo tonos trascendentales que invitan la reflexión.  Sin duda, este es un álbum ideal para escuchar acompañado de un buen cogollo de buena hierba para realzar todo su poder narcótico y místico. Sus pesados riffs, y una instrumentación carente de voces, consiguen atraernos a un relato oscuro llenos de efluvios lisérgicos que flirtean a menudo con los postulados doom. Seis temas que caminan por territorios erráticos incursionando en una psicodelia errante bajo pasajes Stoner con muchos elementos progresivos de carácter sobrenatural. Esto hace que su escucha sea un bálsamo narcótico en el que el thc parece brotar de unos surcos con indudables genes 70’s. El álbum gravita en un sonido masivo que no se atasca, sino que fluye como las aguas que descienden de las montañas como fuente de inspiración. Oscuros relatos del pasado sin un narrador, solo la música instrumental de este power trio que irrumpe en la escena heavy-psych con gran fuerza. Por momento su apuesta me recuerda a la de sus paisanos HUMULUS, con un sonido denso, que se precipita por torrentes doom para reposar en remansos de calma lisérgica. El resultado es un fascinante álbum que rememora los mitos y leyendas locales mostrando toda su belleza escénica.

Todas las canciones escritas y tocadas por CANCERVO, excepto ‘Cancervo’ (interpretada por CANCERVO y Nicola Rondi) y ‘Swlabr escrita por Cream. ‘I’ fue mezclado y masterizado por Nicola Rondi, correspondiendo la obra de la portada a David Paul Seymour, con gráficos de Alessandro Spada y Marco Nieddu

El álbum está disponible digitalmente y en en formato LPs 150x verde vinilo, vinilo transparente 120x, 30x y Ultra LTD ‘Montaña Edición’ vía Electric Valley Records.

Cancervo es una montaña icónica en el corazón de un valle, rica en tradiciones y leyendas populares. Encantados por la historia de una criatura mitad perro y mitad ciervo que vivía en esa montaña, tres tipos locales de San Giovanni Bianco, Bérgamo, comenzaron un grupo heavy-psych, lleno de riffs pesados ​​de los 70 y momentos místicos. Sin más preámbulos, el poderoso trío nombró a la banda CANCERVO como un tributo a su propio valle. Una salida instrumental completa en en álbum arrastrará a los oyentes entre montañas místicas (‘Aralalta’), río veloz (‘1987′), incendios forestales (‘Cancervo’), galería mortal (‘Darco’) y pueblo turbio (‘Averara‘). Como sorpresa, el LP también ofrece una versión instrumental de ‘Swlabr’ de Cream.
 

‘Cancervo’ emerge desde una atmosférica introducción con efectos como si de un génesis se tratara para situarnos en un magnético entorno en el que suaves acordes van anunciando una exploración por psicotrópicos bosques. Desarrollos heavy-psych de manual pasean entre potentes riffs que se inclinan a un abismo doom. Caminando por esa delgada línea, el tema fluye entre los efluvios de hongos mágicos siempre bajo un relato misterioso. Bellos desarrollos que se ven asaltados por arrancadas de furia. Combinando espacios casi drone con suaves pasajes de oscura psicodelia el tema resulta de lo más atrayente, consiguiendo que nos sentamos partícipes de su relato. Un buen trabajo que refleja la vocación pesada de los italianos, pero también su capacidad para mantenernos alerta jugando con nuestros sentidos.

‘Averara’ mantiene esa atmósfera enigmática pero reconfortante. Suaves pasajes instrumentales mantienen la tensión con narcóticos desarrollos en un espacio de oscuridad. Un tema que se muestra dividido con una primera parte suave que se engrosa en su sonido según va avanzando con riffs más difusos y una cadencia rítmica imperturbable. Recreándose en pasajes psico-progresivos la guitarra ondula entre el sonido del imperturbable bajo y el accidente ritmo para dejarse seducir por un entorno mucho más ácido en el que su sonido se retuerce hasta la llegado de monolíticos riffs que aportan una grandiosidad a un tema que vuelve a conjugar a la perfección la pesadez con la psicodelia enigmática y misteriosa.

Describiendo infinitos y nebulosos espacios casi siderales, ‘Aralalta’ parte de la calma para ir introduciéndonos en un chamánico espacio que explora entre efectos y cambios de ritmo. Un reconfortante entorno sonoro que nos engulle en sus surcos bajo una neblina heavy-psych. Sus suaves acordes y su cadente ritmo adquieren tonos hipnóticos en un reconfortable susurro sonoro que se violenta con monolíticos riffs de vocación doom que nos hacen despertar su su sueño catártico. Atractivos solos de guitarra afloran entre la monumentalidad del sonido de un bajo que golpea con fuerza. Momentos Stoner-doom que no pierden su aura psicodélica.

‘Darco’ nos presenta un entorno de ensueño con delicados, pero misteriosos acordes de guitarra. Tras hecho el plomizo transitar de sus pesados y lentos riffs vuelven todo mucho mas turbio. Aturdidores y narcóticos pasajes entre suaves y delicados acordes cambian su fisonomía. En ese escenario de reconfortante psicodelia el ritmo de los tambores presagia una nueva explosión. Así, cual paquidermo andante el corte avanza con lentitud mostrando toda su monstruosidad. Psycho-doom de alta escuela al que los italianos insertan unos solos floydianos en una combinación que resulta de lo mas sugerente. Una estructura que se repite a lo largo de sus casi ocho minutos de soporíferos efluvios psicotrópicos que acaban por anestesiar nuestros sentidos.

En un tono mas turbio y oscuro, ‘Swlabry sus cansinos riffs nos inducen a un letargo soporífico por una senda más cruda y pesada. Aquí no aparecen los delicados pasajes de la guitarra, sino que su sonido se vuelve mucho más difuso y nebuloso, apareciendo algún solo ácido en su parte final dando brillo a tu corte doom lóbrego y pesado sin perder su aura psych. Una curiosa versión del clásico de CREAM que aquí aparece irreconocible.

El debut cierra con un dinamismo mayor con ‘1987’. Si bien su apertura nos indica eso, el tema reposa entre hongos mágicos rebosantes de dietilamida. Con un zumbido constante de un bajo que parece que va a quebrarse, la guitarra desarrolla su potencial entre nuevas embestidas Stoner-doom. Toda una constante que se repite en un trabajo lleno de magnetismo en una atmósfera heavy- psych de alto nivel.

PRE-ORDER Vinyls + Digital:
http://electricvalleyrecords.com/product/cancervo-1 (Green Vinyl)
http://electricvalleyrecords.com/product/cancervo-1-ltd-transparent-vinyl (Transparent Vinyl)
http://electricvalleyrecords.com/product/cancervo-1-ultra-ltd-mountain-edition (Mountain Edition)
https://evrecords.bandcamp.com/album/cancervo-1 (Vinyls + Digital)

CANCERVO:
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Electric Valley Records:
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Reseña: INDICA BLUES.- ‘We are doomed’

Los británicos INDICA BLUES se precipitan al abismo con su sonido expansivo tras haber llenado sus bongs de buena hierba con su álbum WE ARE DOOMED’. Salidos de la escena doom de Oxford, la banda, después de dos años de silencio, regresa con más fuerzas que nunca para ofrecernos un álbum épico en el que los sonidos heavy-psych copan el protagonismo. INDICA BLUES imagina un escenario catastrófico en un futuro muy cercano en el que los eventos mundiales actuales conducen a una guerra total y la aniquilación nuclear. Evidentemente estamos ante una banda que ama el doom, y eso se refleja en el difuso y pesado sonido que imprimen a sus riffs pero, sobre todo, ‘WE ARE DOOMED’ es un álbum para inhalar fuerte y dejarte narcotizar por sus psicodélicos sonidos. Pesados, pero a la vez con la suficiente habilidad para que la monotonía de sus monolíticos riffs no exista, en este paseo por nebulosas cargadas atmósferas psicotrópicas. Sus lánguidos sonidos desérticos se conjugan con un espacio más florido y humeante con unos surcos impregnados en psicotrópicos. Un viaje a un mundo desconocido en el que todo puede suceder. Reflejando la desesperación del mundo en el que vivimos en el último año nos ofrecen un aliciente para escapar de la realidad a base de turbios desarrollos en los que siempre existe un halo a la esperanza. Buenas guitarras, un sonido denso y pegajoso con olor cannabinoides que empapa nuestros sentidos para llevarnos a un estado sensorial en el que el thc nos depara momentos placenteros. Un sinuoso transitar por oscuras atmósferas que consiguen relajarnos a pesar de toda su contundencia. En el álbum podemos encontrar entre su innata vocación doom, ecos de bandas como NEBULA, MONSTER MAGNET o COLOUR HAZE, pero siempre con su particular versión de la psicodelia pesada. Con vibraciones más propias de los sonidos primitivos de los 70, INDICA BLUES consiguen un álbum monumental y épico que sin duda les hace asentarse en la escena pesada reivindicando un puesto que se han ganado a pulso con su buen hacer. Sus siete temas son una declaración nihilista que nos hechiza con su magnetismo y nos golpea con su pesadez y sus aturdidores desarrollos. Sin duda ‘WE ARE DOOMED’ es un álbum que merece ser escuchado bajo la ingesta de un bong bien cargado de buena hierba para sentir todo su potencial.

INDICA BLUES son: Andrew Haines Villalta (Bajo), Tom Pilsworth (Guitarra, Voz), John Slaymaker (guitarra) y Rich Walker (Batería). ‘WE ARE DOOMED’ está disponible vía APF Records.

El guitarrista y vocalista de  Tom Pilsworth nos comenta sobre el álbum :“Cuando nos decidimos por el título We Are Doomed , nunca imaginamos que el disco se lanzaría en medio de una pandemia mortal. Afortunadamente para nosotros, mientras que la música en vivo ha desaparecido, los fanáticos del Doom y los fumetas de todo el mundo han mantenido viva la llama. Estamos enormemente agradecidos con APF Records y las muchas otras personas que nos han ayudado en el camino. Apaga las luces, cierra el paso al mundo y disfruta del sonido del apocalipsis

INDICA BLUES nació con el EP ‘TOWERS RISING‘, lanzado por el guitarrista y vocalista Tom Pilsworth. Tom unió fuerzas con John Slaymaker (anteriormente de las leyendas del underground stoner del Reino Unido CARAVAN OF WHORES) y la pareja reclutó a Andrew Haines-Vilalta en el bajo y Ed Glenn en la batería, lanzando el EP ‘RUINS OF SHORE’ en 2016. Con una obra de arte de Cristiano Suarez , el álbum estuvo en el top 5 de los más vendidos de Bandcamp en las categorías de Doom And Stoner, y el número 1 en Desert rock, ocupando un lugar destacado en las lista underground alrededor del mundo. Rich Walker reemplazó a Ed Glenn en la batería, y en 2018 se lanzó un álbum debut, ‘HUMNS FOR A DYING’. 
Todas las pistas de ‘WE ARE DOOMED’ fueron grabadas por Steve «Geezer» Watkins en Woodworm Studios y masterizado por Tim Turan en Turan Audio, correspondiente el arte de la portada a Cristiano Suarez.

‘Inhale’ transita por la senda heavy-psych en línea COLOUR HAZE en modo doomy. Con una cadencia vocal más propia de los 70’s el tema fluye bien gracias a un crujiente bajo y desarrollos de guitarra por una senda ortodoxa. Un espacio psicodélico, pero con la suficiente pesadez para llamar la atención de puristas del stoner más lisérgico.  Riffs ácidos y un oscilante ritmo van construyendo un tema que se desarrolla durante casi nueve minutos nebulosos. Sin duda el riff sobre el que se construye consigue contagiarnos de la propuesta humeante de los británicos. Sus momentos aturdidores no resultan estridentes a pesar de lo turbio de su sonido, sino que nos hacen partícipes de esa combinación de lo pesado y lo atmosférico y psicotrópico.
Con una extraña locución inicial a modo de introducción ‘We are doomed’ despega entre efectos y riffs stoner doom con esa poderosa línea de bajo marcando el tempo del tema. Un sonido atronador que se adorna con voces en línea Nebula. Lento y plomizo, consigue conjugar un cierto espíritu alternativo con la fuerza innata en la banda.
Retomando las atmósferas lisérgicas, ‘Demagogue’ explora sombríos bosques heavy-psych. Sus lentos ritmos se contonean con pausas para hacer aflorar atormentados pasajes vocales de vocación setentera entre su turbia instrumentación. En un espacio que fusiona ecos proto-metal con la psicodelia pesada. Esos efluvios hacen que el tema emita una sensación de placidez y relajación. En este escenario los británicos nos ofrecen buenos pasajes de guitarra surgiendo de la densa bruma que cubre por completo la canción, todo un acierto.
Soul embers’ nos hechiza con sus magnéticos acordes en una introducción que se aleja de la pesadez. Mágicos acordes y una voz llena de sentimiento van construyendo uno de los temas más suaves del álbum. En un estado de completa psicodelia narcótica el hechizo sonoro de INDICA BLUES nos mece entre bellos y reconfortantes pasajes antes de elevarse majestuoso. Solo un espejismo que nos devuelve a plácidos momentos en los que los susurros nos seducen embriagando nuestros sentidos.   Posiblemente sea el tema más plácido de un trabajo que conjuga la pesadez con la psicodelia de una forma muy atractiva. Todo un bálsamo de quietud y sosiego.
Los riffs vuelven a crujir con un acento retro en ‘The end is calling’. El escenario heavy-psych en el que tan bien se mueve la banda regresa entre una neblina intoxicante. Con ciertos tonos ocultista el corte va cambiando su fisonomía a una atmósfera más oscura en la que el blues hace acto de presencia. Ramalazo de psicodelia pesada con blues, una fórmula que siempre funciona bien, y aquí, sin duda lo hace.  Una canción versátil en sus formas sin perder ese espíritu doomy con el que la banda suela jugar en sus temas, pero que se acerca más a ciertos estereotipos del stoner. Lo cierto es que INDICA BLUES juega con los elementos estilísticos con gran acierto.  
‘Nihilism’ nos seduce con una atmósfera llena de misterio con unos pausados acordes llenos de magnetismo. Entrando directamente en nuestra capacidad sensorial su sonido nos ofrece un insondable espacio lisérgico en el que liberar nuestro estrés. Invitándonos a la reflexión la narrativa del corte juega con la psicodelia pesada de forma majestuosa. Ese bajo grueso que se inclina a territorios doom, se complementa a la perfección con el trabajo de la guitarra. Turbio, penetrante y lleno de narcotizantes pasajes, la canción se presenta casi como un interludio que nos anuncia que algo va a suceder. Prescindiendo de las voces el tema no necesita más aditamentos para ofrecernos seis minutos que nos saben a poco. Deleitándose en su sonido más narcotizante y embriagador, nos hechiza con sus oscuros pasajes.
Para cerrar, ‘Scarred for life’ recupera la pesadez en una conjunción de elementos stoner, doom, heavy-.psych en los que los ecos 70’s parecen regresar nuevamente. Con un sonido difuso en el que el fuzz está presente construyen una canción fornida y potente. Mucho más rítmica que los temas precedentes. Siempre bajo un nebuloso sonido, su dinamismo hace que nos despertemos del letargo anterior. Una buena forma de usar lo pesado para ofrecer canciones atractivas.

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Reseña: ROSTRO DEL SOL.-‘Rostro del Sol’

¿OBRA MAESTRA?. Cuando en el mes de septiembre el quinteto mexicano publicaba su single ‘Cynical mind’ mi instinto me decía que podíamos estar ante algo grandioso. La publicación de su álbum homónimo confirma esa afirmación. ROSTRO DEL SOL ha creado uno de los álbumes más sorprendes e interesantes de los últimos tiempos. De todos es sabido que la cantera mexicana era un territorio fértil del que siempre han salido buenas bandas, pero lo de estos chicos es impresionante. Buenas melodías y una perfecta ejecución de unos temas ricos en matices y texturas. Un gran aval que hace que todo fluya con una naturalidad sombrosa, sin complejos. Cinco hijos de Moctezuma que, con su debut, son merecedores de conquistar el mundo. Media hora mágica en la que el rock progresivo, la psicodelia más ácida, el jazz-rock y los ritmos funk, se visten de tonos vintage al más puro estilo de los 70’s. Imagina una fiesta por todo lo alto con Hendrix y Alvin Lee como anfitriones y con Colloseum, Traffic, Deep Purple, Earthless, Santana, Zappa o Siena Root como invitados. Solos hirientes, mucho Wah, wah, y unos teclados envolventes se salpimientan con el siempre seductor sonido del saxo, uno de los alicientes de este álbum instrumental. Un trabajo impresionante del primero al último tema. Estos músicos noveles tocan como auténticos veteranos, tanto por su destreza, como por su capacidad compositiva llevándonos siempre por el camino correcto. Estamos ante un álbum camaleónico que muta sus formas constantemente ofreciéndonos siempre un aliciente que nos deja extasiados. A veces no se necesitan psicotrópicos para tener un ‘viaje’, ROSTRO DEL SOL nos embriagan con su música de una manera placentera y hechizante. Los álbumes instrumentales siempre tienen algún detractor, pero a éstos, yo les invitaría a dejarse llevar por este monumental trabajo instrumental que no te dejará indiferente. Toda una orgia de sonidos vintage que te llevará al orgasmo en uno de los mejores álbumes de los últimos tiempos.

‘ROSTO DEL SOL’ está disponible vía LSDR Records, y fue grabado entre 2019 y 2020 en Rec-on Estudios en Ciudad de Mexico, por Jorge Trejo, siendo mezclado por Juan Puget, correspondiendo el arte de la portada a Elena Ibañez.

ROSTO DEL SOL son: Mitch Bálänt (Guitarra), Demian Burgos (Batería), Baruch Hernandez (Teclados), Israel Mejía (Bajo) y Dan Samhain (Saxo).

‘Effect of creation’ surge entre distorsiones y efectos, custodiado por el penetrante órgano. Una entrada que no nos hace vislumbrar el camino por el que se desarrollará el tema. Tras un minuto y medio de incertidumbre, el órgano en línea Purple deja espacio a unos desarrollos progresivos con cierta herencia española. evocándome momentos del rock andaluz español de los setenta, el cuarteto mexicano nos sumerge en una fusión de elementos en la que los ritmos jazz, se dotados de una gran acidez. Guitarras chirriantes, en una especie de jam en la que todo se vuelve más loco. Los vientos se unen a una fiesta variada y que cambia constantemente. Giros atractivos que va mutando las vibraciones sobre las que se construye el tema. Toda una exploración de sonidos vintage en la que no existen límites. Hard-progresivo, psicodelia y un hechizante ambiente psicotrópico con solos de guitarra que se estiran hasta la extenuación. El tema acaba por dejarnos noqueados por completo.

Tras el shock del corte de apertura, ‘Solar fire’ mantiene el espíritu vintage con el hammond coloreando el ambiente entre ritmos de vocación Funky. Conversaciones de guitarras ponen una pausa a los ambientales desarrollos progresivos. El tema consigue el equilibrio entre el sonido de los distintos instrumentos, creando la composición en distintos planos en los que cada músico tiene su espacio. Un gran trabajo compositivo para crear un tema rico en matices y texturas, esta vez en tan solo tres minutos. El contraste de la primera canción, con sus casi nueve minutos y la brevedad de ‘Solar Fire’ no desentona en la apuesta de la la banda, solventando a la perfección el gancho de cada una de ellas.

‘Backyard blues’, un nombre lo suficientemente evidente como para intuir que camino tomaran en esta ocasión. El blues, siempre un estilo recurrente para las grandes bandas aparece aquí de forma majestuosa. Heavy-blues y mucho psicotrópico son los ingredientes de este artefacto lisérgico y hechizante.  Creando un sonido mas propio de una banda americana de comienzos de la década de los 70’s, los teclados y las guitarras entran en una lucha hegemónica en la cual, en esta ocasión la guitarra se lleva los honores. Sabiendo ejecutar su papel, los momentos vintage adquieren una dimensión grandiosa. Contagiosos ritmos Funky y una línea de bajo llena de magnetismo amplían el espectro cromático del tema, ofreciéndonos nuevos espacios para la exploración. Si de algo no hay duda, es que, si no te unes al baile con el tema, estás muerto. Un corte adictivo.

Un solo de batería a la vieja usanza es la carta de presentación de ‘Bob C Sketches’. Nuevamente la fusión y el jazz ponen los cimentos para otra obra faraónica. Con ciertos ecos latinos y una guitarra propia del Santana más experimental, la bacanal psicotrópica regresa para narcotizarnos al más puro estilo Alvin Lee. Seducidos por el blues y la psicodelia la espontaneidad y destreza de estos chicos vuelve a quedar patente. Mucho talento y mucha técnica avalan otro blues lleno de acidez en el que los ritmos jazzeros se desbocan en una nueva jam. Envueltos en solos que parecen revolotear sobre nuestra cabeza, antes de que todo se modere. Aquí los vientos y los teclados salen a escena mostrando todo su glamour, seduciéndonos con bellas melodías retro. Entre pasajes jazz rock, las texturas del tema se amplían con distintos sonidos y vibraciones superpuestas para ofrecer un ampuloso corte que vuelve a dejar patente el talento de estos jóvenes músicos. Instalando en ese ambiente de los años 70’s. el jazz rock, y hard-progresivo se fusionan nuevamente en ‘Tales’. Un tema dividido en tres partes ejecutado entre una sutil neblina psych. Un nuevo coctel en el que caben distintos y variados ingredientes estilísticos. Ondulando en sus ritmos y saltando de un estilo al otro los momentos heavy-psych se mimetizan entre ritmos de fusión en una primera parte llena de intensidad. Como si hubiéramos cambiado de canción, la segunda parte habita en atmósferas psicodélicas de manual, con guiños floydianos. En su parte final, aparecen más presente elaborados desarrollos progresivos

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