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Reseña: SURYA KRIS PETERS.- ‘There’s Light In The Distance’

Christian Peters, el líder de SAMSARA BLUES EXPERIMENT continúa dándonos alegrías con nueva música tras el final de su banda. Si hace unos meses nos llegaba la nueva entrega de FUZZ SAGRADO, ahora retoma su proyecto personal bajo el pseudónimo de SURYA KRIS PETERS con su nuevo álbum ‘THERE’S LIGHT IN THE DISTANCE’. Un trabajo que se aleja de alguna manera de sus veleidades electrónicas para regresar al lugar que de alguna manera pertenece.  Como decimos en España ‘la cabra tira al monte’ y Chris no se resiste al sonido que forjó durante años con SBE, sin perder la esencia modernista y futurista de este proyecto en solitario. Un álbum empapado con guitarras psicodélicas en canciones ricas en matices y texturas. La combinación de estos versátiles elementos hace que el carácter cósmico del álbum gravite entre los dos mundos en los que el músico se ha estado debatiendo en los últimos años. Con una gran producción, cada canción se presenta con una personalidad propia, pero todas ellas contienen fascinantes momentos psico-progresivos que hacen de su escucha un regalo para cualquier fan de SAMSARA. Personalmente me costaba entender esos primeros álbumes minimalistas construidos a base de sintetizadores, de un músico con un espíritu libre y creativo tratando de encontrar nuevas rutas a su sonido. ‘THERE’S LIGHT IN THE DISTANCE‘ ‘seguramente es al álbum más logrado hasta la fecha de este alter ego llamado SURYA. Esto me hace soñar con seguir recibiendo canciones de este talento indómito desde su nuev vida en las cálidas tierras brasileñas, un lugar que le ha devuelto la creatividad tras unos tiempos difíciles .  

El álbum abre con la oscura ‘Karmic Repeat’. Una canción con un tono enigmático que conjuga ritmos pesados y una instrumentación inquietante en una atmósfera nebulosa que coquetea con momentos progresivos y pasajes envueltos en psicodelia. Teclados, guitarras, cajas ritmos y otros elementos crean este corte que se aleja algo que sus trabajos anteriores.

‘Crushing The Walls Of Silence’ mantiene esa esencia cósmica y futurista de su proyecto con un predominio de sintetizadores adornado con brillantes guitarras ácidas empapadas en psicodelia. Todo un viaje sideral impulsado por pasajes electrónicos bien acoplados.

Sin salirse de esa atmósfera psicodélica ‘Life Is Just A Dream’ describe insondables entornos alejados de lo racional. Aquí la guitarra brilla con luz propia en una pista más heavy-psych que electrónica.

‘The Darkness They Prefer’ es un título que refleja con acierto la oscura atmósfera sometida a inquietantes pasajes psico-progresivos en un tono más propio de un film de ciencia ficción. La guitarra se alterna con los sintetizadores creando un turbador espacio en el que todo puede suceder. La pista concluye con un nítido carácter espacial.

Dando un giro a la esencia del proyecto, ‘Embrace Your Enemy’ nace de sintetizadores alternados con una carácter futurista y electrónico en el que no faltan pasajes psico-progresivos guiados por la guitarra. La pista se en robustece tornándose más contundente y ácida.

‘Mode azul’ es otro corte psicodélico con momentos de pesadez y una inclinación cósmica. Aquí Chris hace aflorar su faceta más rockera en detrimento de las armonías electrónicas. Guitarras, teclados y momentos verdaderamente psicotrópicos completan esta brillante pista instrumental.

Repartiéndose el protagonismo entre el bajo y la guitarra, ‘A Night In The Desert (and a long way from home)’ es otra elaborada canción que mantiene el alto nivel de todo el álbum. Psicodelia progresiva con unas entrañas sólidas y cautivadores momentos con los que enganchar al oyente a una narrativa bien construida.

En esta alternancia de temas más rockeros y elaborados con pistas más electrónicas, ‘Red Satin & Pearls’ nos devuelve a los pasajes de la kosmic music, con un carácter modernista. El trabajo de producción y la fusión de instrumentos, consigue una canción cohesionada y versátil a partes iguales. Si su base se sustenta en los sintetizadores, la entrada de los solos de guitarra da cuerpo y brillo a un corte que también es arropado con teclados vintage y un carácter 70’s.

‘Let’s Wait Out The Storm’ se deja llevar por borboteantes acordes y una mágica guitarra que genera un efecto balsámico con sus pasajes floydianos. El hipnótico ritmo y los múltiples ornamentos conforman una pista llena de capas y sonidos que se superponen y se diluyen con sumo acierto para que la transición sea fluida. Otra elaborada y brillante canción que va evolucionando a un entorno mas propio de SBE con el incremento de su pesadez y su carácter rocoso.

A modo de regalo, ‘Tough Love’ aparece como bonus de un álbum que se escucha con fluidez y en el que Chris a insertado una multitud de elementos haciendo que resulte en mi opinión su mejor álbum bajo el pseudónimo de SURYA KRIS PETERS. La canción contiene genes heavy-psych y reminiscencias floydianas ensalzadas por una guitarra gloriosa. El perfecto epílogo a una trabajo sumamente atractivo.

Fuzz Sagrado & Surya Kris Peters

Reseña: SOUL KITCHEN BAND.- ‘Round one’

Aquellos que me conocen, saben que soy un ávido buscador de bandas desconocidas con apuestas sonoras interesantes. En esa búsqueda de nuevas propuestas para ofreceros a todos los seguidores de DenpaFuzz, la siempre infinita y sorprendente plataforma de bandcamp, me permitió toparme con el trio israelita SOUL KITCHEN BAND, y su álbum debut ‘ROUND ONE’. Sin mucha información sobre la banda, el trio parece estar en activo desde hace alrededor de 3 años, pero no ha sido hasta ahora, cuando ha visto la luz su material musical en forma de un álbum curioso, con unos surcos que rebosan mucha calidad y frescura. Una vez mas una banda nos invita a viajar al corazón de los 70’s a través de canciones que combinan el blues, la psicodelia, y el rock más crudo y auténtico. Así encontramos cortes evocadores del Jim Morrison más chamánico, guitarras herederas de Ten Years After y Allman Brothers, así como ritmos que coquetean con el legado del primer Santana. Un álbum sorprendente y repleto de alicientes para cualquier amante de las vibraciones vintage. Sus ondulantes canciones rescatan esos sonidos vintage que tantas y tantas veces hemos escuchado, y lo hacen manteniendo la esencia de aquellos sonidos, pero aportando su propio toque personal al combinarlos en mezcolanzas a veces imposibles, pero siempre efectivas. Con un espíritu de jam, las composiciones serpentean en su desarrollo haciendo que cada una de ellas, nos presente diferentes ritmos y estilos que son hábilmente enlazados para ser presentados al oyente como un ‘todo’ con sentido. Toda una sorpresa de un año que acaba y que seguramente ya ha ofrecido todo lo que tenía que darnos en cuanto a creaciones musicales de nivel, aunque, nunca se sabe, todavía estamos a tiempo de encontrarnos con alguna otra maravillosa sorpresa como esta.

SOUL KITCHEN BAND son: Ehud Danan (guitarra/voz), Tal Dekel (bajo) y Nachman Baruch (batería).

‘Mud on love’ se desarrolla con un ritmo cadencioso y un espíritu 70’s en el que el blues y el rock clásico se unen en una bacanal sónica de grandes proporciones. La canción oscila entre incisivos pasajes en contraste con parones en los que la intensidad remite. La guitarra ácida refleja el amor de estos chicos por los sonidos vintage en los que el blues tiene bastante protagonismo. Erigiendo por momentos como un alter ego de Alvin Lee, los ritmos de garage aparecen entre su diabólica armonía blusera.

El rock sin complejos de ‘Brain Forest (jungle)’ se adorna con vibrantes ritmos coloristas y un espíritu a caballo entre la psicodelia y el garage rock. El corte es impulsado por una pulsante línea de bajo que nos empuja a una densa atmósfera lisérgica. Allí los pasajes chamánicos de inspiración doorsiana se fusiona con ritmos tropicales y una psicodelia envolvente y corrosiva. La pista no pierde su alma vintage en ningún momento.

En un tono mas ortodoxo de rock clásico setentero ‘Sun’ se cubre de fuertes ritmos y guitarras sólidas en una nueva espiral de vibraciones retro, esta vez en un tono más comedido. Contundente pero no estruendosa, la pista se contonea con ese ritmo dinámico que los israelitas aportan a sus canciones. Esos tambores llevan la voz cantante en otra pista elaborada y cambiante, en la que la psicodelia tiene su dosis de protagonismo.

‘Spin’ vuelve a fusionar ese ritmo colorista con pasajes de blues y psicodelia mas propia de otros tiempos. Una larga introducción psicotrópica realzada por penetrantes solos de guitarra contrasta con un ritmo alegre que poco a poco va calando en el oyente entre nebulosos pasajes atmosféricos con unas gotas de blues ácido. El resultado es una cautivadora jam en la que el wah wah pone el groovy hasta llevarnos a un éxtasis caleidoscópico.

Por la vía directa el garage rock sin complejos evoca laureados momentos de finales de los 60’s en ‘Free’. Una declaración de intenciones en la que las melodías pop con una instrumentación sucia de puro rock and roll, nos invita a la fiesta en otra pista fresca repleta de contagiosos retro.

En menos de un minuto ‘Dalan’ es un breve interludio presidido por el ritmo de tambores.

En este catálogo de sonidos vintage, ‘The road’ se empapa de ritmos sureños y voces chamánicas en una pista que combina luz y sombras, y que acaba abriéndose a una luminosidad, así como una alegría contagiosa. Pero como el resto de las canciones del álbum, la fusión aparece con pasajes psicodélicos superpuestos a esa guitarra más propia de los estados del sur con guiños a los mismísimos Allman Brothers. ¡Una jam por todo lo alto!

Cerrando el álbum, el trio pone la pausa con ‘Deep’. Un balsámico corte ejecutado lentamente con el que los israelitas se dejan llevar por efluvios psicodélicos en un trance sensorial que ayuda a expandir nuestra mente en un boscoso espacio blusero en el que las emisiones lisérgicas son las protagonistas. Sin duda, un magnífico broche final a un álbum versátil, colorista y rebosante de frescura.

Soul Kitchen Band

Reseña: SATURNA.- ‘The reset’

‘THE RESET’ el quinto álbum de los barceloneses SATURNA, llega con diez canciones y cuatro versiones en forma de bonus en la edición digital para erigirse como el álbum más versátil y maduro de la banda. Con algún cambio de formación en los últimos tiempos, esta nueva entrega viene con canciones que combinan con gran acierto el hard rock y la psicodelia que se hacía en los 70’s, pero también con cautivadores momentos acústicos y riffs a todo trapo que nos recuerdan su amor por las vibraciones stoner. Un ejemplo del amplio espectro estilístico en el que se lleva moviendo el sonido de los barceloneses, una banda que da la sensación de que tiene mucho que decir y que no está dispuesta a renunciar a nada para componer magníficas canciones de rock duro con un toque contemporáneo, pero manteniéndose fiel a los orígenes del rock. Así, cada pista de ‘THE RESET’ nos lleva por un escenario sonoro oscilante y cambiante a cada momento. Esto hace que sus temas sean un auténtico antídoto contra el aburrimiento y un reflejo de su buen hacer como banda ya veterana. Con ellos, tanto los viejos rockeros como las nuevas generaciones, se sentirán gratificadas por este genial álbum. Qué duda cabe que estamos ante una de las bandas españolas más destacadas en los géneros musicales que tocan, y esto, nuevamente se refleja en unos surcos llenos de alicientes para el oyente. Sus magistrales melodías vocales contrastando con la contundencia de sus riffs, hacen de ‘THE RESET’ un álbum para degustar en bucle, porque el final de cada escucha es el comienzo de otra nueva. Así las cosas, el álbum se ve gratificado por una fantástica producción que hace que todo suene genial.  Esto, unido al amplio crisol estilístico que contienen sus canciones, hace que la banda de un paso adelante ampliando su sonido a todos los estilos que han influido en el sonido de la banda. Si buscas riffs crudos y pesados, los encontrarás, pero si miras más allá, también vas a disfrutar de las canciones más suaves en las que SATURNA pone el alma. Este equilibrio y la enorme calidad de sus canciones, hacen que ‘THE RESET’ se postule como el álbum más importante de la banda hasta la fecha. Este quinto álbum es el auténtico reseteo de una banda que no quiere quedarse anquilosada en un sonido único en sus trabajos. Una exploración estimulante y selectiva con la que se erigen en uno de los candidatos a ser el mejor álbum español del año. En unos días tendremos la respuesta, ya que este nuevo álbum suena compacto y real.

SATURNA son:
Rodrigo Tirado: bajo
James Vieco: voz, guitarra eléctrica y acústica
Alexandre Sánchez: guitarra eléctrica, coros
Enric Verdaguer: batería

Músico adicional:
Toni del Amo: teclados

Todas las canciones han sido escritas y producido por SATURNA.
Letra de James Vieco y SATURNA.
Grabado por Christian A. Korn en Analog Drive-in.
Mezclado por Dani Pernas.
Masterizado por Estanislao Elorza en Doctor Master.
Ilustraciones y portada de Jondix.
Diseño y maquetación de Marta Ramón.

Disponible vía Spinda Records y Discos Macarras.

Sin hacer prisioneros, los primeros riffs de ‘Your whimsical selfishmess’ nos hace intuir que estamos ante algo grande. Una cuidada melodía y golpes de hard-rock stonerizado son los argumentos que los barceloneses llevan usando desde hace años, pero ahora, la madurez de canciones como esta nos hace confirma que la banda está en plenitud de facultades. Su cautivadora melodía y su férrea instrumentación confirman que SATURNA acaba de publicar un auténtico tesoro. La canción cuenta con todo, elementos acústicos, voces magistrales, riffs crudos, sonidos desérticos, vamos, puro rock del que nos gusta.

‘The never ending star’ fue el segundo sencillo que la banda nos desveló de este nuevo álbum. En sus surcos aparecen plácidos momentos de tonos progresivos que crean una atmósfera más propia de legendarios relatos. La conjunción acústica con una psicodelia flotante, nos sitúan en un plácido escenario sonoro de fácil digestión. Hermosa en su aspecto, sus balsámicos pasajes nos envuelven en un manto de melancolía bajo brillantes desarrollos progresivos impulsados por un cálido sonido de órgano. Si escarbamos mas en su interior, podemos vislumbrar unas entrañas prog-rock que rivalizarían con algunas de las propuestas de los 70’s en este género. Algo así no está en manos de una banda Stoner al uso. 

Si algo tiene ‘THE RESET’ es que en cada canción encontramos un nuevo filón sonoro en el que escarbar. Así ‘Smile’, con sus riffs desérticos se muestra cruda y pesada, pero SATURNA saben como ornamentar sus canciones con variados elementos con los que enriquecerlas, algo que aquí sucede con nitidez. Esa atmósfera oscura en la que se desarrolla el corte, nos sitúa en un espacio psicodélico bajo un todo inquietante y por momentos hasta lúgubre. Pero estos chicos saben como sacarnos de ahí, y lo hacen a base de buenos momentos hard & heavy en su parte final.

Retomando los acordes acústicos, ‘December’s dust’ es una bucólica canción en la que las vibraciones de los 90’s se fusionan con elementos de décadas pasadas para conseguir una canción suave y apacible con la que mitigar la furia de la pista anterior. Sus aromas rurales y sus apacibles melodías vocales hacen el resto para que la pista nos cautive.

Despertándonos del letargo de la pista anterior, ‘Into the sun’ nos pone en danza con sus pegadizos riffs en una fusión de momentos proto-metal y el hard rock más abrasivo y salvaje. Son evidentes los guiños a los sonidos de los 90’s con los que nacieron, pero estos pasajes, son acoplados con solvencia para crear una pista fresca en la que también afloran algunos sutiles pasajes psico-progresivos en los que el órgano vuelve a tener su cota de protagonismo.

En un escenario en el que el rock más crudo de los 70’s se empapa con buenas dosis de fuzz, ‘A few words to say’ se muestra como un corte sólido y contundente. Aquí la banda mantiene ese espíritu retro que les ha caracterizado con riffs difusos, buenas melodías y un sonido realmente contundente con aroma a heavy-rock por momentos.

En ‘The sign’ la banda baja las revoluciones para crear una canción suave con innegables elementos psicodélicos y buenos ganchos melódicos. La pista seduce al oyente creando un apacible y agradable espacio que se ve solo alterado por alguna embestida de pesadez. La pista toma algún elemento progresivo para llevarnos a un espacio vintage más propio de finales de los 70’s, pero lo hace con elementos tomados del Stoner contemporáneo.

Con casi ocho minutos y erigiéndose como la canción más larga del álbum ‘Made of stone’ brota de relajadas melodías con un nítido carácter vintage. Golpes de psicodelia y un tono pausado van construyendo un relato bien hilvanado usando un amplio espectro estilístico. Bellas voces nos susurran en modo ‘balada’ auspiciadas por un órgano penetrante que en un segundo plano complementa los fantásticos solos de guitarra. En esta ocasión la banda parece dejarse llevar por la experimentación psico-progresiva en un ambiente lánguido, pero sumamente cautivador.

Tras el balsámico corte anterior, la furia se desata en ‘On fire’. Un corte de rock crudo tocado a la vieja usanza. Todo un torrente de energía que nos arrolla entre fascinantes melodías y estribillos. El espíritu de los 70’s se muestra aquí en todo su esplendor gracias a una banda que ha mamado de aquellas aguas y que sabe como manejarse en ellas. Esta canción es la prueba de ello, un corte contundente y lleno de vibrantes ritmos.

‘A way to reset’ pone el cierre a lo que es el álbum en su formato físico con buenos momentos de Stoner rock embutidos en un ropaje vintage de alto calado para el oyente. Jugando con los tiempos, el corte oscila entre ensoñadores pasajes melódicos y golpes de riffs crudos y pesados que nos recuerdan que estamos en el siglo XXI. El trabajo de guitarra y la terrorífica línea de bajo hacen el resto. Otro corte con el sello inconfundible de SATURNA.

En la edición digital de ‘THE RESET’, el cuarteto barcelonés incluye cuatro versiones de alguna de las bandas legendarias que han marcado de alguna manera su carrera.

‘A national acrobat’ del clásico álbum ‘Sabbath bloody Sabbath’de la mítica banda de Birmingham.

Una salvaje versión de otro clásico de THE BEATLES como es ‘Come together’ ejecutado manteniendo el espíritu original, pero con su particular toque.

Dando un espectacular giro, la versión de ‘Five to one’ de THE DOORS resulta fresca y atractiva con un tempo milimétrico y un registro vocal muy fiel al original. ¿Qué decir de una guitarra que calca el sonido de Krieger con acierto? Todo un regalo para un amante de banda de Los Ángeles como un servidor.

El colofón al álbum lo pone ‘Who knows’, otra versión de otro clásico como es JIMI HENDRIX. En esta ocasión resulta curioso que SATURNA se fije una canción secundaria de Hendrix para adaptarla con gran acierto a su sonido más personal.

SATURNA

Discos Macarras Records

Spinda Records

Reseña: JOSIAH.- ‘rehctaW’

JOSIAH es un power trio psych post-apocalíptico británico, encabezado por el cantante y guitarrista Mathew Bethancourt. Formado originalmente en 2000, el sonido de JOSIAH es una combinación de golpes de un proto metal lisérgico llegados de los albores de los 70’s, para colorear el mundo distópico de nuestros días. Esta banda sonora apocalíptica resucitaba en 2022 con el álbum ‘WE LAY ON COLD STONE’ y tenía la continuación en el proyecto personal de Mathew, MATHEW’S HIDDEN MUSEUM (reseña aquí) a primeros de este año. Ahora nos llegan cuatro canciones que contienen el sonido que puedes esperar de JOSIAH. Golpes de proto-metal primitivo empapados en psicotrópicos consiguiendo esa atmósfera oscura en la que le gusta desarrollar sus canciones. Cuatro pistas con identidad propia, cada una con un carácter diferente, pero con nexos de unión y en las que la identidad de JOSIAH aparece reflejada fielmente.  Siempre es agradable recibir material nuevo de una banda que te ha enamorado en el pasado y que el paso del tiempo parecía enterrarla en el olvido. Ahora con este regreso, al menos tenemos una pincelada de la nueva producción de una banda que sorprendió años atrás con un sonido anticipado a su tiempo y que sigue viva dos décadas después. Siempre con la sombra de Sabbath mirando de reojo, JOSIAH nos recuerda que todavía están vivos, y que pueden seguir dándonos alegrías a todos aquellos que amamos las vibraciones de los pioneros de la música pesada y psicodélica. Con el extraño nombre de ‘REHCTAW’ (que por cierto no sé lo que significa) los británicos nos hacen albergar esperanzas de que la historia de JOSIAH continúe. El tiempo tendrá la respuesta, pero mientras tanto, disfrutemos de este crudo artefacto sonoro más propio del siglo XX.  

‘Rehctaw’ se recrea en las oscuras atmósferas Sabbathicas para ofrecernos una visión apocalíptica a base de riffs pegadizos y ganchos de proto-metal. Una canción cruda y con un sonido primitivo que Mathew ejecuta con espíritu vintage propio de los primeros pasos de la música pesada de los 70’s. Ese grueso y viejo sonido sigue vivo con bandas como JOSIAH. Ellos mantienen esa esencia a la perfección en pleno siglo XXI. La pista contiene buenos pasajes ácidos en el marco de esa oscuridad innata.

En un ambiente lisérgico ‘By My Left Hand’ ofrece un sonido turbio con un espíritu lisérgico que ya hemos visto en la banda con anterioridad. Prescindiendo de las voces en esta ocasión, JOSIAH construyen una inquietante canción con golpes de Stoner contenidos y bellos pasajes psicotrópicos. Su grave sonido se ve complementado por una melodía atractiva que no duda en incorporar ciertos pasajes progresivos que potencian su lado mágico y misterioso. Una canción diferente, pero muy interesante, en la que la fuerza deje espacio a los elaborados desarrollos instrumentales.  La pista va de menos a más en una intensidad que nos lleva aúna espiral psicotrópica.

El llanto de un bebé y una inquietante ambientación nos ponen en la ruta en ‘Become’. Oscuros momentos pastorales con una extraña instrumentación crean un enigmático espacio sonoro en el que la banda experimenta sin rubor.    

‘Black Annis (the evocation of)’ es otra canción psicodélica que transita en un insondable escenario. Coros y estribillos en su apertura que nos ponen en la ruta con el sonido más auténtico de los británicos. Guitarras ácidas y una base rítmica sólida y pesada crean este tapiz sonoro en el que la psicodelia pesada, el blues y el proto-metal viven en armonía. Un corte pesado, crudo y sobre todo ácido, lo que puedes esperar de estos tipos que se adelantaron a su tiempo y que dos décadas después todavía tienen argumentos para conquistar al oyente con un sonido pesado más propio de décadas pasadas y de los comienzos de la música rock pesada.  

Josiah

nterstellar Smoke Records

Reseña: MOS EISLEY SPACEPORT.- ‘Further’

El agujero de gusano que ya usaron en ‘THE BEST OF THEIR EARLY YEAR’ (reseña aquí) sigue siendo utilizado por los alemanes MOS EISLEY SPACEPORT en su nuevo álbum ‘FURTHER’. Con algún cambio en su formación, el proyecto mantiene el espíritu vintage que mostraron en su debut. Estos chicos llegados del planeta de Tatooine saben cómo cocinar las vibraciones hard-progresivas de los 70’s en canciones resultonas y con mucho gancho. Una magnífica colección compuesta por nueva fascinantes canciones que nos recuerdan el legado del pasado modulándolo a los nuevos tiempos. Un sonido reconocible en el que los ecos de Deep Purple se asoman en pistas guiadas por un impactante órgano retro y melodías con mucho gancho. Pero no solo de ello vive el cuarteto, sino que el blues, la psicodelia y el hard rock son ingredientes siempre apetecibles para unirse a esta fiesta retro. Una visión aventurera con un estilo único en canciones de fácil escucha y con las que rápidamente conquistarán nuevos fieles. Porque el rock de siempre sigue vivió, y si lo hace con ingredientes más contemporáneos, el resultado puede ser completamente motivador. La fácil escucha de ‘FURTHER’ esconde en su interior los suficientes elementos como para que nada resulte superfluo, esto hace del álbum un plato muy apetecible para los fans de los sonidos vintage llegados de los 70’s. Esa imaginaria ciudad futurista que da nombre a la banda, mantiene la vida intacta, lo cual es muy de agradecer para aquellos (entre los que me encuentro) que nos vimos sorprendidos por su propuesta sonora hace tres años, cuando vió la luz su primer trabajo. La aventura continúa.

En un entorno psico-progresivo de manual ‘Ashes to Ashes’ gravita en una orbita vintage en la que alguna pincelada blues aparece entre su propuesta de rock añejo. Ejecutado con suavidad, el corte camina lentamente en busca de un entorno más contundente. Con elaborados desarrollos progresivos la banda alemana nos recuerda esas vibraciones setenteras tan apetecibles. Funcionando como un conjunto, destacan especialmente los pasajes en los que el órgano retro evoca momentos mas propios de bandas como DEEP PURPLE sin que su sonido en conjunto sea similar. Aquí encontramos constante meandros que enriquecen una canción larga pero con mucho atractivo.

‘Drop Out’ contrasta del corte anterior por el dinamismo de unos riffs y unas melodías que sin rubor se zambullen en las aguas del rock retro de los 70’s. Manteniendo ese espíritu intacto, la canción es guiada por el efectivo sonido del órgano custodiado por buenas melodías vocales y un ritmo efectivo y solvente. La fiesta de sonidos vintage se desata sin complejos una vez mas.

Retomando las canciones de diez minutos, ‘Space Shift’a pesar de tener más elementos experimentales, nos presenta una bacanal de vibraciones retro. El poder de ese órgano diabólico vuela mi cabeza una vez más.  Purpleliano en sus entrañas, el vibrante corte parece escorarse a sonidos más contemporáneos en una combinación siempre agradable y resultona. En la segunda mitad la canción desciende a un fascinante entorno psico-progresivo en el que el sonido de la guitarra pone el perfecto contrapunto a los pasajes del órgano, auténtico motor de la banda.

En un tono más oscuro y pesado ‘Raised by a Lioness’ coquetea con el blues y el boogie rock con una propuesta atractiva y cautivadora que rápidamente invitará al oyente al desenfreno y el baile. Alejado de convencionalismo, estos chicos tienen su propia fórmula para cautivarnos sin caer en los convencionalismos de las bandas retro.

‘Cocaine Blues’ mantiene el tipo a base de golpes de riffs solventes y un ritmo divertido en el que el blues-rock se fusiona con el hard progresivo de los 70’s. Su pegadiza melodía y una fornida instrumentación hacen el resto en otro corte de innato carácter vintage.

Casi como continuación de la canción anterior ‘Laika’ mantiene la esencia hard-prog de los alemanes con golpes de Stoner y constantes guiños a las vibraciones vintage del siglo pasado. Una pista divertida que es ejecutada con un frenesí aturdidor. El juego de los estribillos hace que la pista resulte fluida en su transitar por este escenario psico-prog en el que poco a poco van sumiéndose cada una de las canciones.

Sin cambiar sustancialmente el guion en ‘Scattle Cat’ parece que la banda se deja llevar por el fuzz y los vibrantes sonidos proto-stoner. Turbio dinámico y con el suficiente gancho como para rendirse a sus pies, la canción se sale de alguna manera del resto de cortes con un sonido más contemporáneo. A pesar de ello sus entrañas contiene ese elixir mágico que hace que las canciones de MOS EISLEY AIRPORT suenen como compuestas décadas atrás. Aquí los elementos cósmicos brotan más nítidamente hasta sumirnos en un caos sónico aturdidor.

Si la mayor parte del álbum está compuesto por canciones de larga duración, ‘Laika II’ supone el contrapunto con sus tres minutos. Un suspiro de sonidos casi devocionales que contrastan con la mayor parte de las canciones. Coros celestiales y una instrumentación atmosférica son los argumentos en esta ocasión en un corte que de alguna manera, se decanta por el sinfonismo.

‘ I’m a Robot Dancer’ pone la calma a un álbum vibrante y divertido con tonos más coloristas y florales. Un tempo suave y una melodía vocal que va aumentando el tono, construyen otra canción vintage que supone un soplo de aire fresco a un álbum notable.

Mos Eisley Spaceport