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Reseña: SILVER LININGS.- ‘Pink fish’

Provenientes de Andalucía y más concretamente de Málaga THE SILVER LININGS nos proponen un divertido y gratificante viaje por varios sonidos psicodélicos de fuerte inspiración vintage en su álbum ‘PINK FISH’. Con canciones compuestas con un espíritu lúdico THE SILVER LININGS nos ofrecen multitud de paisaje sonoros en los que no faltan atractivos riffs de guitarra y una sucesión de sueños lisérgicos. Añadiendo tres canciones más, completan el EP ‘TSM’,  publicado meses atrás. Una odisea cósmica a través de la psicodelia de inspiración 60’s y 70’s en la que estos multifacéticos músicos reflejar su amor por estos sonidos sin mas pretensiones que la de ofrecer música divertida y de fácil digestión. Desde la sencillez componen canciones embriagadoras que nos sitúan un en mundo irreal en el que las vibraciones acidas son las protagonistas. Todo un soplo de aire fresco con pistas sin demasiadas pretensiones, pero con una calidad evidente. El mundo multicolor de THE SILVER LININGS explora vibraciones del kraut de los 70’s, enlazándolas con esa psicodelia sesentera underground que tanta gloria dio a bandas como THE VELVET UNDERGROUND, pero también miran al presente con guiños a DEAD MEADOW. Lo cierto es que cada una de ellas fluye con una naturalidad pasmosa calando profundo en el oyente.  Sin olvidar las bandas sonoras de ciencia ficción, su experimentación está ligada a otros elementos culturales que seguramente te sorprenderán. Con acordes de borbotean en un mundo mágico, los malagueños se muestran al mundo como una banda a tener en cuenta en la prolífica escena psicodélica del nuevo milenio. Posiblemente algunos pensarán que no ofrecen demasiadas cosas nuevas, pero su propuesta está hecha con honestidad, y eso se nota en el espíritu de sus canciones coloristas en este viaje acido, una travesía que nunca sabes donde te va a llevar, y este precisamente es su mejor argumento para conquistarte. Con infinitas y variadas influencias, desde el millón de esferas hasta el multiverso psicotrópico, viven y componen con el espíritu puesto en pasarlo bien, haciendo florecer la diversión entre su público. Huyendo del oscurantismo tecnocrático impuesto por seres de pensamiento plano y la paranoia subyacente del sufrimiento perpetuo.

THE SILVER LINING son: Javier Toledano ( Voces, guitarra eléctrica, teclados), Catarina Serer (guitarra eléctrica), Jose Gutiérrez (bajo), Lolo Cortes (batería y percusión) y Marta Malinowska (saxo)

‘PINK FISH’ está disponible vía Spinda Records.

Abriendo al álbum ‘Cosmic Excursions’ nos situa en un entorno de psicodelia espacial a través de riffs distorsionados y efectos envolventes. Si bien el ritmo y las melodías vocales nos sitúan en un entorno mas propio de The Velvet Underground, el corte conjuga diferentes elementos que encontraremos en el resto de las canciones del álbum.

‘ A Pleasant Trip To The Unknown’ mantiene la corriente lisérgica. En esta ocasión con suaves melodías y un espíritu 60’s los pasajes de guitarra se muestran coloristas y de fácil digestión. Esto hace que la canción fluya en un espacio de ensueño con múltiples elementos vintage y efectos que vuelven a llevarnos a un escenario cósmico. La conjunción de guitarra y bajo unido a un carácter kraut complementan otra fascinante corte.

Desde un mágico Jardín del Edén la balsámica ‘Pink Fish’ explota ese carácter psicotrópico. Tomándose las cosas con calma, la canción nos presenta dóciles pasajes atmosféricos ideales para la relajación. Aunque en apariencia el corte tiene una sencilla estructura, la banda se las apaña para imprimir la fuerza a sus surcos. Un arranque cósmico pone el músculo en este agujero de psicodelia ensoñadora de tintes futuristas. En su avance, la pista se torna más acida de lo que intuía en su apertura.

Embutidos en los sonidos vintage ‘Patient M’ cabalga sobre un ritmo atractivo adornado con una voz evocadora de otros tiempos. Neo-psicodelia con la mirada puesta en el pasado en una canción de estructura sencilla, pero que mantiene el nivel del resto del álbum. La canción está basada en la historia real de un soldado republicano que recibió un disparo en la cabeza y sobrevivió, pero vio el mundo completamente patas arriba bajo ciertas circunstancias

Una introducción atmosférica nos pone en ruta en ‘Heart Full Of Gold’. Un corte con una estructura mas compleja y en el que la banda se toma su tiempo para desarrollarlo. Su aura mística y su sonido mas propio de finales de los 60’s reflejan el amplio espectro de miras de los malagueños. Lento y nebuloso, el corte mantiene ese tono melancólico entrelazando los pasajes de guitarra acida para ofrecer una atmósfera lisérgica y oscura en esta ocasión.

‘In the Fleeting Hands Of Time’ parece seguir el camino marcado por la pista anterior. Adornando con suaves pasajes que se inclinan por lo progresivo, la tristeza flota en el ambiente con pequeñas oscilaciones y un carácter introspectivo. En esta ocasión la frescura se transforma en una canción más compleja en la que no faltan las guitarras ácidas y psicotrópicas.

Sin darnos cuenta llegamos al final del álbum con una canción como ‘Lifeforce’. Aquí los ritmos coloristas de inclinación tropical y el wah wah revoloteando nos invitan a un baile sensual y adictivo. La marcada línea del bajo marca el tempo de una canción que no duda en elevarse refrescante y divertida haciendo que caigamos rendido a sus armonías lisérgicas.

The Silver Linings

Spinda Records

Reseña: WOLF PRAYER.- ‘Spell of the crimson eye’

Después de las buenas sensaciones dejadas por su anterior álbum de 2019 ‘ECHOES OF THE SECOND SUN’, el trio alemán WOLF PRAYER, regresa a la actualidad por la puerta grande con su nuevo y segundo álbum ‘SPELL OF THE CRUMSON EYE’. Aquí, encontramos a una banda pletórica y solvente, una banda con las ideas claras y la creatividad en estado de Gracia. Con la intención de transmitir en el disco la fuerza, el poder y la consistencia de sus actuaciones en directo WOLF PRAYER presentan un trabajo con muchos alicientes para el oyente. Habiendo Avanzado en su faceta heavy-psych, las melodías y las oscilaciones de cada canción, ofrecen giros sorprendentes y bien elaborados. Si a esto unimos que la banda no ha perdido ni un ápice su potencia stoner, el resultado es un trabajo para gozar y degustar como un plato de alta cocina.  El álbum aborda una amplia variedad de temas en sus siete nuevas canciones: el anhelo de un nuevo amor, la pérdida de la personalidad de un ser querido debido al olvido causado por la enfermedad, el seguimiento y la ejecución irreflexiva de enseñanzas socialmente «respetadas y correctas» y perderse en la rutina cotidiana, el eterno juego entre el bien y el mal, un homenaje a la luna y al espacio viajar y el impulso interno que resulta en un cambio consciente de personalidad que uno acepta y, por lo tanto, perjudica a sus seres queridos. Su psicodelia heavy-psych sabe nutrirse de momentos vintage de un órgano escueto pero profundo, de melodías vocales cautivadoras que siempre afloran en el momento justo y con el registro oportuno para que todo fluya con naturalidad. Esos tonos vintage llegan a convertirse en verdaderos viajes lisérgicos con la sombra de Pink Floyd en el horizonte, pero a su vez, saben mutar para arrastrar las arenas del desierto a unos riffs poderosos como una tormenta en medio de las dunas. ‘SPELL OF THE CRUMSON EYE’ es un álbum para tener muy en cuenta y en el que tanto, los fans de la psicodelia pesada, como los amantes del Stoner, van a encontrar su particular filón.

‘SPELL OF THE CRUMSON EYE’ está disponible vía Barhill Records

WOLF PRAYER son:
Jan Sprengard: voces y guitarra

Tim Hansen: bajo

Matthias Schorr: batería

Entre sutiles acordes de blues y una fascinante psicodelia atmosférica ‘Interludium Nebulae’ nos pone en la pista de esta nueva entrega de los alemanes. Una magnética pista de Psicodelia pesada con embestidas de riffs desérticos que nunca pasan el umbral. Repitiendo una y otra vez el mismo riff la pista nos presenta un apacible entorno psicotrópico con momentos arenosos y un cautivador desarrollo que finaliza entre tonos cósmicos. 

Con una poderosa línea de bajo en su apertura ‘Desire’ nos muestra otra versión de la banda. Voces casi chamánicas y un ritmo que te atrapa van dando forma a un corte con garra y un cierto aroma a 70’s. impulsado por ese bajo prodigioso y un ritmo cadente el corte va adentrándose en un entorno más psicodélico sin perder ni un momento su groovy pegadizo.

‘Oblivion’ sigue sorprendiéndonos con un nuevo giro en el que sutiles momentos progresivos aparecen entre una estructura de psicodelia suave y penetrante. Sus cálidos pasajes se inclinan a un espacio floydiano en el que cada nota flota entre sustancias lisérgicas. Una balsámica canción capaz de amansar a la mas salvaje de las fieras. Sin duda uno de esos temas que te invita a expandir tu mente en busca de nuevos horizontes sensoriales. Pero en este viaje astral también se apuntan unos teclados vintage y unos riffs desérticos para que no falte de nada. Una hermosa y cautivadora canción con efectos terapéuticos y en la que la banda del fluido rosa se vislumbra en el horizonte. «La canción trata sobre el olvido, más precisamente sobre el olvido relacionado con la enfermedad de Alzheimer, un trastorno cerebral incurable», dice la banda.»Debido a la muerte de las células nerviosas del cerebro, las personas afectadas se vuelven cada vez más olvidadizas, confusas y desorientadas. Ya no pueden realizar actividades habituales y sencillas como beber o comer. Las impresiones visuales y las relaciones espaciales ya no se comprenden. un cambio en el estado de ánimo y personalidad de las personas afectadas. Se alteran fácilmente cuando están fuera de su entorno familiar. Si se interrumpen rutinas o procesos rígidos desarrollados, hay inquietud, ansiedad o confusión. La realidad se transforma en una extraña ilusión que no es real. Poco a poco, la memoria a largo plazo también se resiente, de modo que los seres queridos, familiares y amigos ya no son reconocidos y son tratados o percibidos con desconfianza y distancia: apenas queda nada de la antigua personalidad amada.Debido a la degradación de las capacidades cognitivas, la pérdida de la personalidad y la degradación de la condición física y corporal, uno sólo puede observar con impotencia la decadencia y la consiguiente disminución de las fuerzas vitales del ser amado.»

Con una oscura introducción con tambores rituales, ‘Doctrine’ sigue la senda de la canción anterior con sus pausados acordes y un registro vocal suave y por momento sugerente. En su parte central el corte eleva la intensidad con momentos mas propios de THIN LIZZY en una mezcla resultona con sonidos arenosos empapados de fuzz narcótico.  Otra canción en la psicodelia se enriquece con distintos matices sonoros con un resultado muy apetecible.

‘Cards Of Evil’ se desarrolla entre pasajes heavy-psych en una atmósfera retro en la que la acidez sonora se erige en protagonista. Un corte hipnótico, denso y sumamente psicodélico que refleja a la perfección el espíritu de este fascinante álbum. Tras dos minutos, la canción parece tomar otra ruta en la que definitivamente la psicodelia pesada se enrique con tonos progresivos para crear un marco sonoro inigualable y absolutamente cautivador. Parece como si se tratara de otra canción, algo sumamente curioso.

Por la vía directa, la vibrante y rugosa ‘Luna’ transita por un entorno desértico. Riffs rompe cuellos y ganchos con los que atrapar al oyente en un transitar ondulante en el que la intensidad sube y baja con desparpajo. La banda pone al descubierto su lado más Stoner y contundente.

Si el resto de las canciones del álbum estaban entre cuatro y cinco minutos, ‘The Devil Told Me So’ rompe esa ecuación con mas de ocho minutos intensos. En su comienzo la pista se soporta en oscuros pasajes proto-doom que parecen advertirnos de algo. Este preludio da paso a momentos heavy-psych adornados por un sutil órgano y unos riffs expansivos que se evaporan ante la llegada de la calma psicodélica. La cautivadora voz de acompaña de leves efectos de eco entre su magnética instrumentación. Oscilante entre esas vibraciones y la rugosidad desértica, la pista late con fuerza envuelta en efectos lisérgicos. La pista nos ofrece buenos momentos heavy-psych antes de retomar el punto de salida con esos riffs pesados ejecutados a cámara lenta. El órgano regresa aportando su carácter vintage.

wolf prayer

Barhill Records

Reseña: GRAVEYARD.- ‘6’

Tras cinco años de espera y varios retrasos respecto a la fecha inicialmente anunciada, finalmente ve la luz el sexto álbum de GRAVEYARD. Con un escueto ‘6’ como nombre, los suecos nos muestran su lado más contemplativo y dinámico (como nos comentaba su bajista en la entrevista que le hicimos hace meses lee la entrevista aquí) en un álbum que suena a GRAVEYARD tal y como los hemos conocido, pero en el que encontramos también nuevos caminos en su sonido. Necesitados de tomar aire fresco en su creatividad, los suecos nos ofrecen su lado más pausado. Una versión que aflora con elegancia en magníficas canciones psicodélicas que no reniegan del blues ni del hard-rock más salvaje. Un sonido 70’s que se enriquece con un tono que por momentos se torna progresivo y que nunca pasa el umbral. Teniendo en cuenta que estas canciones fueron compuestas en el periodo pandémico, la oscuridad aparece en ellas como tantas veces hemos visto en otros álbumes en los últimos tiempos. Canciones más introspectivas que nos ponen la pausa con unos arreglos acertados. En ‘6’ encontramos momentos cercanos a THE DOORS más chamánicos, a los STEPPENWOLF más divertidos, pero también a los FLEETWOOD MAC de la primera época, incluso con guiños a los blues dylanianos, pero, sobre todo, encontramos a los GRAVEYARD más inspirados desde hace años. Con una producción impecable, ‘6’ seguramente recibirá opiniones encontradas. Por un lado, fans más fervientes que esperaban encontrar a los GRAVEYARD más ácidos y ruidosos, y entre los que veamos esta nueva entrega como un giro en el camino de la banda para ensanchar su horizonte por territorios no explorados suficientemente antes. Un giro que se me antoja premeditado y que no es obra de la casualidad, sino más bien de un estado de ánimo y de una madurez que siempre invita a descubrir nuevas rutas. Con Joakin ofreciendo dos registros vocales diferentes, y acompañado por sutiles coros y melodías, cada canción nos regala pinceladas de intensidad en esta plácida y persistente calma general. Canciones en forma de baladas con las que logran transmitir un sinfín de sentimientos, y en las que no se olvidan de despertarnos de ese mágico sueño con las embestidas de garra que les ha caracterizado a lo largo de su carrera. Podemos concluir que ‘6’ es un disco con un sonido nuevo, pero también es un disco que contiene la esencia de GRAVEYARD, y eso es mucho. Seguramente la monotonía les haya empujado a hacer un disco diferente a los que nos tienen acostumbrados, pero el resultado de su gran inspiración a la hora de componer canciones, es sencillamente brillante. Pero lo mejor es que des al ‘play’, disfrutes de sus fantásticas canciones, y decidas por ti mismo.

‘6’ está disponible vía Nuclear Blast.

Con calmados sonidos psico-progresivos ‘Godnatt’ nos introduce en esta nueva entrega de la banda sueca. Una canción que sirve para medir la intensidad de un álbum en el que los estruendoso no es tan importante. La canción es una pseudo-balada en la que los acordes aparecen con tenidos creando una atmósfera cálida y acogedora con un cierto tono intimista.

De inmediato y sin tiempo para reponernos del plácido viaje del corte anterior, ‘Twice’ borbotea entre riffs punzantes de puro hard-rock 70’s. Con una vibra muy STEPPENWOLF, el corte nos devuelve a los GRAVEYARD más ‘retro’. Una pista rebosante de garra y en la que la banda muestra sus verdaderos orígenes. Sin duda un impactante corte con el que te será difícil no mover tu cuerpo al son de esos vibrantes ritmos.

Retomando las misteriosas atmósferas psicodélicas ‘I Follow You’ emerge lentamente con una introducción en la voz parece recitar más que cantar. Solo necesitan unos instantes para hacer eclosionar la canción por esa senda vintage en la que el blues aflora en unas estrofas impregnadas en humo cannabico. Rabioso y poderoso, el tema mantiene el ritmo cadente, y sobre este, eleva su intensidad por un territorio más angosto y turbio. Un camino ondulante que la banda transita con solvencia haciendo que las transiciones fluyan sin que nos demos cuenta del cambio de escenario.

‘Breathe In Breathe Out’ vuelve a bajar la intensidad para desarrollarse en un apacible entorno.  Una de las canciones más destacables del álbum, sino la mejor, y en la que la cálida voz de Joakin se acompaña de unos coros femeninos que aportan más dulzura a una hermosa canción. Sin salirse de la atmósfera psicodélica, los elegantes pasajes de guitarra se complementan con un ritmo suave y cálido que sirve de bálsamo para el oyente. Seguramente estemos ante los GRAVEYARD mas brillantes desde hace años con una apuesta en la que la pesadez no es tan importante.

Con un nombre como ‘Sad Song’ puedes intuir el contenido de sus surcos. Pasajes vintage con un tono de cuentos del pasado se entrelazan con un sonido blusero casi dylaniano. Hermosas y plácidas melodías que nos acarician proporcionándonos un gratificante entorno para la relajación y el disfrute de sus suaves melodías.

Con un registro vocal más agudo que el mostrado en los cortes anteriores, ‘Just A Drop’ sube las revoluciones con desgarradores pasajes, y unos ritmos más elevados. Insertando solos ácidos con sabor a blues, la pista transita por una senda vintage impulsada por una potente línea de bajo y una composición bien elaborada.

‘Bright Lights’ retoma la pausa predominante en ‘6’ tras la explosión de la canción anterior. Con una susurrante batería y una suave neblina, los suecos ejecutan una canción llena de sentimiento. Nuevamente se perciben pasajes progresivos tocados con la pausa necesaria para que cada nota llegue a nuestra alma.

Anteponiendo la elegancia y los arreglos a la fuerza ‘No Way Out’ es otra canción con sabor a blues en la que los sonidos retro aparecen en corte evolutivo. Con una vibra que me recuerda por momentos al primer Joe Cocker el blues-rock vintage se manifiesta con elegancia y garra al mismo tiempo. Coros sutiles complementan una canción que va de menos a más, pero que nunca pasa la raya.

En un tono más ortodoxo y con ecos de Peter Green, ‘Rampant Fields’ es un blues a la vieja usanza. Sentimiento y pausa con un ritmo sencillo en una ejecución suave solo alterada por algún momento en el que la guitarra se torna diabólica y la voz eleva su tono. Pero eso es el blues, ritmo cadente, y contoneos en distintas direcciones, desde la más abrasiva y desgarradora a la más dulce y profunda. Una canción para escuchar con la luz tenue en la que no falta algún detalle psych. 

Graveyard 

Nuclear Blast

Reseña: O’K AND THE NIGHT CREW.- ‘Zen and the art of rock and roll maintenance’

En activo desde 2018, y absolutamente desconocidos para mí hasta este momento, O’K AND THE NIGHT CREW, han conseguido que mi cabeza estalle con su nuevo álbum ‘ZEN AND THE ART OF ROCK AND ROLL MAINTENANCE’. Un poderoso artefacto sonoro en el que el trio de Connecticut explora con gran acierto las vibraciones heavy-blues y hard rock de los 70’s, con un sonido acido y unas guitarras estelares a las que incorporan rugosos riffs stoner.  Sonidos primitivos llenos garra y fuerza, ejecutados como unos auténticos veteranos. Siempre con un aroma añejo, cada canción ofrece al oyente un punto de vista diferente sin renunciar a su esencia vintage. Pero también encontramos momentos más propios de los sonidos desérticos de los 90s en unas canciones poderosas como un trueno. El álbum es un perfecto collage de vibraciones de los 70’s y en sus surcos no hay ninguna canción de relleno.  ‘ZEN AND THE ART OF ROCK AND ROLL MAINTENANCE’ es la perfecta banda sonora para una noche de desenfreno, una de esas noches que se largan hasta el amanecer. Este power trio emula a los pioneros, pero sabiendo a le perfección que hacen, y además lo hacen bien, porque este nuevo álbum una colección de éxitos repleta de fuzz, riffs, funk y buen rock a la antigua. Un álbum que no es para los débiles, y que a buen seguro hará que tu cuerpo se estremezca con esas fantásticas vibraciones de antaño. ¿Te atreves a degustar estas nueve salvajes canciones? No te dejes engañar por su portada, el viaje merece la pena.

Advertencia: Este álbum puede resultar adictivo. Desde Denpafuzz no nos hacemos responsables de una escucha prolongada. ¡Avisados estáis!

‘ZEN AND THE ART OF ROCK AND ROLL MAINTENANCE’ está disponible vía Oak Honest Records.

‘The Poor Surgeon’ eclosiona en riffs poderosos con una voz desgarrada que directamente nos traslada a algún sucio garaje usado como local de ensaño en los primeros 70’s. Su primitivo sonido y su cadencioso groovy tienen todos los elementos para atrapar al oyente a las primeras de cambio. Ese sonido difuso y el aura vintage son alicientes suficientes para seguir explorando un álbum que te sorprenderá.

Mas contundente y rugoso, ‘Walk on’ se desarrolla con un aroma más noventero al que los solos de guitarra y las voces aportan su tono rockero más clásico. 

Con un groovy que te atrapa ‘Phaedrus the Wolf’ juega con elementos funk y con ritmo colorista bajando algo la intensidad. El ritmo por encima de unos riffs omnipresentes que se balancean por un espacio animado en el que los ganchos Stoner afloran con naturalidad.  Un torbellino de fuzz completa otra notable canción construida sobre una estructura sencilla pero efectista.

En ‘100 miles’ la banda nos invita a orgía de ritmos vintage de la que no podrás escapar. Un corte bailongo que te cautivará sin remisión. Por momentos con un tono más propio de bandas como Blue Cheer, el corte contiene solos ácidos acompañando a ese ritmo imparable. Los tonos blues hacen acto de presencia con un ropaje retro de alto nivel.

La bacanal vintage continúa con la trepidante ‘Cosmic Meditations’. Una canción salvaje y arcaica llena de garra en la que el blues y los ritmos retro nos sumen en otra orgía de riffs y ritmos que te volarán la cabeza y harán que tu cuerpo se active sin remisión. Una perfecta banda sonora para una noche de sábado en la que el rock manda. El corte tiene distintos cambios de ritmo que siempre van a más. Retro-rock irreverente y bien tocado.

‘Outsiders of the Mind’ nos noquea con golpes de hard-rock poderoso y estribillos contagiosos. En esta ocasión la banda toma una senda más ortodoxa para mostrar al mundo todo su potencial. Rock directo, sin contemplaciones, con un ritmo trepidante y unos solos de guitarra que nunca faltan a su cita.

El contagioso ritmo de ‘Law of One’ nos devuelve al corazón de los 70’s con una mezcla efectiva de rock crudo y unas gotas de blues. Los estribillos pegadizos aportan color a un corte turbio en el que el rock de siempre se manifiesta mostrando su cara más sucia, pero a su vez divertida. Con alguna dosis de fuzz intoxicante la banda nos envuelve entre humo cannábico para hacer el corte más aturdidor. La banda no hace prisioneros en otra canción aguerrida y de fácil escucha.

Con un tono stonerizado, ‘Voyage to Ecstacy’ incide en el rock primitivo a paso lento. Una mezcla atractiva que combina momentos de blues pesado y una atmósfera vintage. Aquí los golpes de riffs retro acompañan un groovy contagioso y efectivo.

Volviendo al corazón de los 70’s, ‘From Neptune to Mars’ rezuma blues ácido y riff intoxicantes. Estribillos vacilones hacen que la pista adquiera un tono alegre que contrasta con su turbio sonido. Su guitarra asesina nos recuerda que estos chicos beben del manantial del rock ácido de los 70’s, y así lo reflejan está fantástica canción.

O’K and the Night Crew
Oak Honest Records

Reseña: ROSTRO DEL SOL.- ‘Blue storm’

Después de su impactante y magistral álbum debut de 2021, el combo mexicano ROSTRO DEL SOL regresa con un Ep de cuatro canciones que se desarrollan a lo largo de mas de media hora. Ep, Lp, lo mismo da, lo importante es que podemos disfrutar de nuevo del trabajo de estos magistrales y aventajados músicos. ‘BLUE STORM’, dos piezas largas y dos cortos con un carácter diferenciado pero que su vez tiene muchas características en común. ‘BLUE STORM’ es un álbum vertiginoso que ve enriquecido el sonido de la banda con una mayor presencia de sonidos de viento, lo que hace que sus canciones caminen por una senda más progresiva, prescindiendo algo más de la psicodelia ácida y el blues que nos mostraron en su álbum homónimo (reseña aquí). Incidiendo en el legado de bandas como ATOMIC ROOSTER o COLLOSEUM, y apoyándose en algunos sonidos más propios de bandas como CAMEL, la banda no pierde el norte, sino que se centra en una exuberante exploración vintage. Buenas melodías que oscilan en su intensidad (especialmente en la dos primera canciones) y una bacanal de ritmos que consiguen calar en el oyente, son los argumentos de esta nueva entrega. Un caleidoscopio de sonido progresivos con pincelas psicodélicas, un groovy fantástico y momentos embriagadores en los que la banda se deja llevar por sonidos expansivos. Un cautivador y fascinante collage musical llegado de Ciudad de México para recordarnos como tocaban loas grandes bandas hard-progresivas de los 70’s. Algo que en pleno siglo XXI siempre es de agradecer, porque la creatividad no se perdió con el final de siglo XX, sino que en la actualidad podemos encontrar propuestas de bandas como esta, que veneran aquellos sonidos, y los ejecutan sin complejos. ¿Puede haber mayor homenaje?, porque como tantas veces he dicho, hoy, SI se sigue haciendo buena música, aunque esta, se parezca a la de los viejos tiempos de gloria del rock, y la prueba son álbumes como éste y bandas como ROSTRO DEL SOL.  

‘BLUE STORM’ fue grabado y mezclado en Rec-On Studios entre 2022 y 2023 por Jorge Trejo y masterizados por Juan Puget. La portada estuvo a cargo de Elena Ibáñez, y la contraportada es obra de Miguel Isidoro. Disponible vía Stolen Body Records.

ROSTRO DEL SOL son en ‘BLUE STORM’: Mitch Balant (guitarra), Baruch Hernández (teclados), Israel Mejía (bajo), Roy Cabrera (voz), David Trejo (batería), Daniel älvarez (saxo), Antonio Álvarez (saxo), Joel Franco (saxo) y Damián Burgos (batería en ‘Blue storm’).

‘Blue storm’, la canción más larga del EP, con 14 minutos, escarba el legado hard-progresivo de los 70’s adoptando un sonido más propio de bandas como ATOMIC ROOSTER. El predomino de los teclados como base de su sonido es solo uno de los argumentos de una canción oscilante, con saxos, una línea de bajo realmente magnética, y unos solos de guitarra que ponen la acidez en este conglomerado de vibraciones vintage. Cabe destacar el trabajo de una voz que, sin ser maravillosa, cumple a la perfección su misión cautivando al oyente con su registro. El corte es todo un torbellino de estilos que se agolpan en busca de un objetivo común. Aparentemente caótico por momentos, la canción parece salida de una jam diabólica en la que el blues tiene su momento de protagonismo. Lo cierto es que su monumental sonido hace que el corte adquiera una exuberancia descomunal.

Brotando suavemente ‘Kinich Ahau’ mantiene el alma progresiva de los mexicanos entre tonos relajados. En esta canción compuesta en 2016, la atmósfera vintage nos confunde sobre el año en el que vivimos. Sobre esa base retro, la guitarra describe ensoñadores pasajes con un aroma sureño y un ritmo que por momentos se intensifica para decaer en un espacio en el que la elegancia de sus melodías nos envuelve en una gratificante atmósfera. Aquí los elementos de viento van llevándonos a un entorno sonoro en el que los apacibles sonidos progresivos se intercalan con sutileza. La parte central de la canción presenta momentos más propios de bandas progresivas de los 70’s en su faceta más melódica y dulce. La entrada de la voz ralentiza el corte y todo se vuelve más suave y volátil. Aquí los pasajes sinfónicos en línea Camel toman el protagonismo con el sonido del saxo. Un ejercicio compositivo que refleja la faceta más experimental y jazzera de estos hijos de Montezuma. En este espacio jazz-rock progresivo el corte se rearma para discurrir por ese espacio sonoro en el que tan bien saben moverse estos chicos. El guitarrista de la banda comenta sobre la canción: “Esa rola se la hice a mi hijo cuando estaba en gestación. No la había sacado porque con los compañeros anteriores que estuvieron en la banda no había encontrado esos sonidos que tenía en mi cabeza. Le conté la idea que tenía de la letra a Roy y él fue quien la hizo y quedó perfecto en lo que yo quería transmitir. Hay unos versos que dicen: ‘La espera terminó, vino de estrellas distantes y de una galaxia incierta donde nacen los soles. Un día llegó para compartir la luz y hacernos recordar emociones olvidadas a cómo usar el corazón para amarnos’. En ese tiempo no la estaba pasando muy bien que digamos y Kinich, mi hijo, hizo que me diera cuenta de muchas cosas para así cambiar mi forma de ver la realidad”.

Si las dos primeras canciones llegaban a los diez minutos, ‘El Ritual’ se desarrolla en cuatro minutos de solos de guitarra y un penetrante órgano vintage. Desnudando su lama la desgarradora voz nos sitúa en un espacio psico-progresivo de un nítido carácter vintage. Todo un viaje al corazón de los 70’s en una pista hard-prog de manual. Eso sí, ejecutada por la vía directa.

‘Dark metamorphosis’ cierra este Ep con una bacanal de sonidos retro al más puro estilo 70’s. El mayor protagonismo de la voz y las embestidas de los instrumentos de viento chocan con un ritmo vibrante y golpes de hard-rock con pinceladas funk. El tema mas contundente del álbum gracias a la sobriedad de sus momentos más rockeros.  Aquí el legado de bandas como COLLOSEUM vuelve a aflorar sin rubor.

Rostro Del Sol
Stolen Body Records