El próximo 25 de mayo Oak Island Records publicará en vinilo de 180g, con una edición de 300 copias «NEATH A SHIN EI SUN» de los australianos NEPTURE POWER FEDERATION
Como todas las grandes amenazas de la decencia, la iglesia de NEPTURE POWER FEDERATION nació lejos de las miradas de las masas. Operando en bares de buceo y clubs de motoristas, tocando a las almas atribuladas y el pelo sucio, su gran volumen del evangelio psicodélico se extendió como una gloriosa infección underground. En el púlpito está la Sacerdotisa Imperial gritando a Loz Sutch. Su diminuto cuerpo desmiente el poder colosal de su oratoria abrasadora, hablada en idiomas asumidos a través de siglos de viaje en el tiempo. Su banda de acompañamiento consiste en soldados de batalla de la escena australiana del punk, stoner y metal. Yaytanic Ritual(aka Jay de Frenzal Rhomb) Inverted CruciFox (Fox de Nancy Vandal), Search & Destroy (Troy Daredevil/Buffalo) y River Sticks (Dean de Demolition Highstyle) han olvidado sus antiguas existencias y ahora están en deuda con el atrativo hipnótico de la Sacerdotisa Imperial.
«NEATH A SHIN EI SUN» es el tercer disco de THE NEPTUNE POWER FEDERATION y nos invita a dar un lento paseo trascendental al aparcamiento más maravilloso de las galaxias. Brindando con cerveza al rock and roll de alto octanaje, compartirás jam psicodélicas y mirarás a un vacio lleno momento de inquietante quietud
Disponible nuevamente a través de El Paraiso Records el segundo album del guitarrista de Causa Sui, Jonas Munk.
Tres piezas largas que no están definidas por el enfoque de guitarra característico de Munk, sino que es más bien una visión musical de sintetizadores clásicos, órganos, piano y electrónica analógica elegantemente entrelazados para crear extensas formaciones de sonido puro. La simplicidad armónica y la dedicación ilimitada al equilibrio sónico y la textura es una de las primeras en el cuerpo de trabajo de Munk. Esta es la música de patrones, caracterizada por construcciones lentas y transformaciones sutiles, pero refinadas, donde los cambios tectónicos graduales y los pequeños gestos armónicos generan vívidas respuestas emocionales. En lugar de imponer cualquier intención o significado directo, es un álbum que puede crear un entorno mental para que el oyente se expanda y se abra.
«Absorber», ocupando todo el lado A, es una pieza de equilibrio meticuloso, estructurada a partir de técnicas que recuerdan a los minimalistas clásicos: patrones de sintetizador analógico suave y brillante en movimiento perpetuo, creando nuevo contenido armónico a medida que progresa cada barra. Poco a poco, se introducen los efectos modulares aleatorios, así como las capas de ruido blanco y los drones de guitarra desafinados, sobredimensionados, que bañan lentamente la pieza con pelusas filtradas con calor.
El lado B se abre con dos líneas idénticas de órgano tocadas una contra la otra. Después de unos minutos los órganos se traban en un flujo sin esfuerzo, rodando suavemente hacia un pico pastoral varios minutos más tarde, donde el piano y varias capas de electrónica entran en el paisaje sonoro, recordando el espiritualismo de Alice Coltrane o Popol Vuh.
La última canción del álbum, «Cascade», se abre pacíficamente pero pronto se cruza con una psicodelia auto-oscilante multicultural, relacionada en espíritu con el anterior álbum solista de Munk, «PAN», lanzado en 2012. Gradualmente las capas de sonido entrelazadas se elevan a enormes ondas de saturación sónica , donde cada dron armoniza contra capas de pulsos distorsionados.
La música como esta se percibe como increíblemente simple y de flujo libre, pero, como en el caso del mundo biológico, revela minuciosidades texturizadas y una intrincación entrelazada una vez estudiadas de cerca. Cada pequeño detalle sirve a la imagen más grande. Es música que prácticamente vibra con posibilidad.
Corría el año 1970, y se empezaba a cocer en tierras andaluzas el germen de lo que luego explotaría con el sello de «rock andaluz». Bandas como los sevillanos Gong o Nuevos Tiempos, con miembros de formaciones que cosecharían el éxito dentro de esa etiqueta como Triana, Alameda o Guadalquivir y los propios SMASH formaron parte de la primera oleada de pioneros dentro de la escena rock española. Si en Cataluña existía otro incipiente movimiento, probablemente Andalucía sea el territorio nacional más proclive a estos nuevos sonidos que llegaban del Reino Unido o de Estados Unidos y que no eran habituales en la España de la dictadura. Con el apoyo de un personaje importantísimo como era el manager y productor Gonzalo García Pelayo,SMASH iniciaban su andadura con un talento en sus filas como Gualberto (guitarra clavicornio, sitar..). Cuentan las crónicas que Gualberto había asistido al festival de WOODSTOCK y había llegado con ese espíritu en sus venas, y de alguna manera trataba de trasladarlo a su banda. Junto a él, un hippie danés llamado Henrik Michaelque tenía el espíritu de Hendrix en su venas. Julio Matito(bajo y voces) y Antonio Rodríguez (batería y percusiones).
Junto a estos tres melenudos habituales de los humos que llegaban de Ketama, inician la aventura SMASH. El nombre del disco corresponde a un estanque situado en el Parque de Maria Luisa, en Sevilla. Imaginamos que era un lugar ideal para degustar sustancias llegadas de aquellas montañas del otro lado del estrecho. La banda se convirtió en todo un icono de la escena underground andaluza y por ende, española
¿Que contiene los surcos de GLORIETA DE LOS LOTOS? Pues algo tan sencillo como sonidos Costa Oeste y blues con un cierto espíritu oriental. Algo de psicodelia florida, sentimiento bluesero y pinceladas de música progresiva. La banda llegó a actuar con formaciones como los británicos FAMILY o los holandeses FOCUS.
Así encontramos efluvios de psicodelia florida y tranquila en cortes como «Foreverwalking», «Love millonaire», «Free as the green little men» o «Ainsha»en la que los sonidos orientales si incrustan en sus acordes.
El tema «Glorieta de los Lotos», con aires más folk en línea Crosby Stills & Nash en el que la armónica toma cierto protagonismo.
«Nazarin again» representa la faceta más folk de los sevillanos, en modo cantautor al puro estilo loner-folk de la ruta 66, con registros vocales similares al mismísimo Dylan.
Ecos de blues más eléctrico en «Light Blood, Dark Bleeding», «It’s only nothing», en la que se conjugan también sonidos lisérgicos.
Sonidos crudos de guitarra hendrixiana en «Sitting on the truth»en el que las voces desgarradas llenas de sentimiento blues destacan de una manera particular.
El cierre de GLORIETA DE LOS LOTOS le corresponde a un loco tema con el nombre de «Rock and Roll»en el que podemos escuchar desvarios y discusiones en la grabación del mismo entre los miembros de la banda. La guitarra de Herik se muestra más aguda que nunca.
La banda publicaría en 1971 un segundo trabajo llamado «WE CAME TO SMASH THIS TIME» Y EN 1978 un split junto a AGUJETAS con el nombre de «VANGUARDIA Y PUREZA DEL FLAMENCO». En esta formación estaba Manuel Molina(LOLE Y MANUEL) en el que se encontraba incluido el famoso tema «El garrotín»con el que alcanzaron lo más alto de las listas de la época.
Después del gran éxito de su último álbum «La Grande Bellezza», del que tanto la prensa como los fanáticos hablaron como el destacado Neo-Krautrock, SONSsorprende porque el nuevo álbum es una versión modificada de su sonido siempre emocionante y experimental. Menos marcada por la electrónica que en los últimos álbumes, la tendencia hacia el rock espacial predomina en «LIVE AT THE GREEN MUSHROOM FESTIVAL», fuertemente respaldado por sonidos analógicos en su amplia trayectoria de vuelo. El dúo Alexander Djelassi (guitarra, bajo, sintetizadores, efectos y voz) y Dirk Raupach (sintetizador efectos y voces), logran incorporar nuevas experiencias en cada álbum, sin cambiar por completo el SOUNDS OF NEW SOMA más cósmico. Con algunos músicos invitados entre los que estaba Armin Schopper, que ya realizó las percusiones en su anterior disco.
Publicado el pasado 23 de marzo, fue grabado y mezclado porSOUNDS OF NEW SOMA, correspondiento el proceso de masterización a EROC.
La portada es obra de Lana KinD Layout sobre un diseño de Dennis Gockel.
Una gratificante y elajante introducción a base de teclados es el punto de partida de «Schein».Voces ecualizadas con una mística sensorial anestesiante. A través de medidos pasajes impregnados de fragancias reconfortantes que traspasan suavemente la linea de lo ambiental reinventándose así mismas. A lo largo de catorce minutos de vielo, planeando sobre nuestros sentidos y abriéndolos a una percepción en la que los estados de confort reparadores se apoderan del oyente.
Tras el trance del tema anterior, en «Om Namah», una vez traspasada la dimensión sensorial realizada con su instrumentación, SOUNDS OF NEW SOMA genera un campo sonoro lleno de magnetísmo en el que los drones sobrevuelan nuestras cabezas con actitud liviana. Una fragilidad impostada y que sale de las entrañas de la banda. La composición se desvela como un ente con una gran fuerza interior. Una mística psicodélica, introvertida y a su vez transmisora de paz y confort interior. El resultado es un universo sensorial grandolocuente.
«Weinende Eidechsen» explora el minimalismo espacial, tiñéndolo de armonías murmurantes. Bajo un cielo galáctico de proporciones infinitas los efectos ingravitarios hacen levitar las melodías en un ascenso hacia una nueva dimensión con tintes kraut.
Estructuradas electrónicas en la linea «KRAFTWERK» son dibujadas en «Projektionen» para introducirnos en inquietantes universos rebosantes de kosmikche-music a base de sintetizadores. Más cercanos al sonido de anteriores trabajos, los efectos y samplers se suceden minando poco a poco nuestras neuronas, abduciéndolas para su causa.
«Henriette Mutterkorn» cierra el disco con efectos espaciales en una composición de estructura libre en la que cada instrumento parece experimentar por si mismo con melodías y ritmos aleatorios. Toda una jam llena de tensión.
El disco está disponible a través de Tonzonen Records.
Procedentes de Rusia, Roman Komarov (guitarra, teclados) Natasha Bogulyan (batería) y Ilia Rytov (bajo) nos presenta su cuarto trabajo «CHILD IN THE WOODS». Grabado en San Petesburgo en el invierno de 2018 en 2S Studio y masterizado por ELEMENTSTUDIO
Psicodelia pesada con ambientes refrescantes y perfumado en los que el aroma se vuelve intenso y penetrante. «Dark floyd» tiene momentos de bajo pesado y acordes de post-rock llenos de experimentación en su parte final.
«Wolf» describe una exhuberancia sonora que decae en oscuros pasajes inquietantes, sin faltar esos coqueteos post-rock que habían escuchado en el primer corte.
El peso de la batería y el bajo en los rusos es algo digno de destacar. «Green rodeo» es un claro ejemplo de ello. Toda una espiral difusa con riffs repetitivos y un inmenso trabajo de Natasha Bogulyan a la batería. Un lento bajo, una guitarra floreada mostrando un cierto virtuosismo. Tonos mágicos con los que FLYNOTES se mete de llenoen desarrollos experimentales con solos de guitarra que mutan en una especie de free-psycho tonificante y su vez inquietante.
«Witch» podría definirse como una pieza de post-metal exhuberante. Las distorsiones difusas y gruesas copan los desarrollos instrumentales. La batería es una apisonadora que cede terreno a un órgano hipnótico que desciende a territorios post-rock.
Los ambientes espaciales son también terretorio de los rusos. «Flower machine»es una viaje interplanetario a otra dimensión en la que el único vínculo con la tierra es el sonido de la guitarra.
Coqueteos doom en un inquietante y repetitivo ejercicio de locura psycho y tensión es el contenido de «Marble».
Una cosecha de sonidos llenos de experimentación psicotrópica con tintes doom. A ritmo lento, «Harvest time»para cavar hasta romper la barrera que le separa de otra dimensión.
Cierra el album «Child in the woods», con un comienzo acústico, suave, dulce. ambientado en espacios intergalácticosque soportan las armonías de la guitarra acústica.
DenpaFuzz 