Etiqueta: post-rock

Reseña: RED SUN.- ‘From Sunset To Dawn’

‘FROM SUNSET TO DAWN’, el tercer álbum de los psiconautas italianos RED SUN, viene cargado de matices y emociones en unas canciones que se desarrollan bajo un tono cinematográfico más propio de una banda sonora de un film de ciencia ficción. Con su inquietante arte musical, el trio nos envuelve en sus ondas cósmicas para proporcionarnos unos minutos de introspección y momentos ideales para la relajación. Creadas para hacer que el oyente se deje llevar, las ocho pistas del álbum transitan por un entorno cósmico en el que la contundencia de unos riffs pesados se entrelaza con pasajes atmosféricos de psicodelia meditativa. Con un gran poder expresivo, RED SUN van construyendo un relato de ciencia ficción en el que la psicodelia cósmica es custodiada por un ejercito de riffs monolíticos y ornamentos psico-progresivos que incluso coquetean con los dictados del post-rock. Tratando de transmitir al oyente un sinfín de sensaciones, las ondulantes canciones modulan su ritmo para ofrecernos fascinantes atmósferas sensoriales. El resultado es un sonido potente, psicotrópico, cósmico y sumamente hipnótico que se traduce en fascinantes pistas que cabalgan entre la belleza y el misterio. Un arco iris de emociones en un caleidoscopio sonoro con los suficientes ingredientes para atraparnos en un viaje musical a inquietantes y balsámicos territorios sonoros. Estas contemplativas canciones resultan ideales para hacer esa pausa que todos necesitamos en estos tiempos tan alocados que vivimos. Desconecta con ‘FROM SUNSET TO DAWN’ y déjate llevar por este viaje cósmico repleto de sensaciones.

‘FROM SUNSET TO DAWN’ está disponible vía Subsound Records.

RED SUN son: Stefano Eno (guitarra), Mirco (bajo) y Fede (batería y sintetizadores)

Como si de la banda sonora de una película futurista se tratara, ‘Where Once Was Light’ a modo de introducción, nos abre las puertas al mágico mundo sensorial de los italianos. Pasajes atmosféricos de nítida vocación espacial son custodiados por riffs lentos y pesados creando un marco de expectación. Con una apetecible fusión de rock ácido y elementos espaciales, consiguen transmitir un relato instrumental ideal para degustar desde la calma.

‘The Sunset Turns Purple’ nos lleva más allá. En un entorno en el que conviven la psicodelia pesada con momentos de rugosidad Stoner, RED SUN escribe su propio relato. Una pista que juega con ritmos de vocación kraut y evidente espíritu cósmico. El termómetro perfecto del contenido del resto del álbum. Pero la pista no se queda ahí. Sino que fluye incansable con la mirada siempre puesta al frente. Los efectos envolventes revolotean bajo un ritmo ágil y dinámico que jamás mira para atrás. El sonido se muestra sólido y pesado, pero también psicodélico y cinematográfico haciendo aflorar ciertos pasajes progresivos.

 El relato prosigue con la atmosférica y psicotrópica ‘A Violent Dusk’ . Su carácter cósmico se nutre con algunos pasajes floydianos y con rugosos riffs en una fusión perfectamente diseñada para cautivar al oyente. El carácter sideral de la pista se enriquece con momentos progresivos y una sucesión de pasajes con la suficiente pesadez como para no caer en lo anodino. El espíritu cinematográfico se siente en cada surco de la pista.

Avanzando y profundizando en esas vibraciones psico-espaciales, los teclados y un ritmo futurista nos introducen en ‘The Shape Of The Night’. Entre la kosmiche-music, la psicodelia e incluso el post-rock, el ritmo hipnótico nos lleva en volandas en un viaje a lo desconocido. Surcando el cosmos, RED SUN exploran los confines de la galaxia con una pista caleidoscópica repleta de alicientes para el oyente.

Con un mayor protagonismo de los teclados ’Intempesto’ gravita en un insondable y silencioso espacio en la inmensidad de la galaxia. Modulando los tonos a un territorio mas progresivo, las pinceladas post-rock afloran mostrado una belleza sin parangón. Un balsámico corte con un bajo envolvente que contraresta la delicadeza de los acordes de la guitarra. Casi en un espacio drone, los efectos parecen mariposear entre la placida melodía. Ahondando en esos postulados post-rock la canción baja la intensidad con un carácter balsámico hasta diluirse lentamente en los confines del espacio infinito.

‘The Coldness Of The New Moon’ mantiene la esencia y propósito de la banda bajo un tono más dinámico. Acariciando al oyente con sutiles efectos, la armonía se repite y otra vez produciendo un efecto hipnótico. Sin darnos cuenta nos vemos situados en un espacio que va cambiando sus formas en un caleidoscopio sonoro en el que no faltan momentos de pesadez. Con una parte central más ácida, la canción se alterna ensoñadores pasajes con momentos de verdadera pesadez. Usando los mismos ingredientes, hacen que cada canción suene diferente, pero a la vez todas resultas coherentes y cohesionadas. Ofreciendo al oyente bellos pasajes de guitarra, el ritmo no desfallece jamás, mientras el bajo se mantiene excelso y cálido, a la vez que susurrante y fornido.

Si en la pista anterior los tonos ácidos y pesados predominaban, en ‘Towards The End Of Darkness’, persistiendo en la contundencia, las melodías exploran un espacio psico-progresivo con pasajes más elaborados. Esto no influye en la solvencia de una narrativa fluida y cautivadora. La pista ondula contoneándose grácil, a la vez que muestra toda su fuerza con ganchos Stoner con los que enganchar al oyente. Consiguiendo atraparnos en su pesado relato, el carácter cósmico parece difuminarse entre momentos heavy-psych de alto voltaje. Un balanceo que nos sitúa en un cautivador escenario sonoro.

Como epílogo a esta odisea cósmica, ‘The New Sun’ concede un mayor protagonismo a los teclados y sintetizadores creando un entorno sensorial diferenciado. Una exótica percusión tribal se mimetiza entre notas que van mirando a un entorno más electrónico y futurista. Situados en ese entorno, la psicodelia espacial de manual inicia su transitar por los confines del cosmos en una dinámica travesía. tornándose cada vez más hipnótico, los ritmos kraut van guiando el corte por la inmensidad del espacio sin un destino predecible.

RED SUN 

Subsound Records

Reseña: FRAN NEVER DIES.- ‘Red moon rising’

Aunque la banda lleva en activo desde 2018, no ha sido hasta ahora cuando he profundizado en su sonido. Su nuevo y segundo álbum ‘RED MOON RISING’ nos vuelve a demostrar la buena salud de la que goza en los últimos tiempos la escena psicodelica italiana. Las pistas del álbum ahondan en los sonidos atmosféricos cósmicos, con diálogos melódicos que transitan en un escenario invadido por la melancolía. Con una curiosa pero fascinante fusión, la psicodelia pesada se nutre de elementos post-rock con vestigios del sonido vintage de los 70’s. Un álbum que te atrapa en su cinematográfica narrativa guiado por sobresalientes pasajes de guitarra y sintetizadores envolventes. Ritmos firmes y dinámicos junto a voces oscilantes y repletas de sentimiento, consiguen transmitir al oyente su desgarrador relato. Lo cierto es que en sus oscilantes canciones, encontramos hermosos momentos en los que los sonidos expansivos calan con facilidad en nuestros sentidos. Misterioso, oscuro, pero también elegante, este pequeño tesoro heavy-psych debería de servir para poner en la orbita de la escena psicodélica a una banda con muchos argumentos compositivos. Las canciones del álbum están relacionadas con la luna roja como símbolo adorado o temido: ante ella, la humanidad revela su aspecto más irracional, entre la locura y la adoración. El resultado es un álbum ecléctico, magnético, susurrante y misterioso, pero lleno de hermosas canciones, uno de esos discos que te atrapa en su enigmática narrativa reflejando la soledad.

FRANK NEVER DIES es una banda nacida en 2018 fundada por el guitarrista Mirko Giuseppone, anteriormente involucrado en proyectos de rock alternativo/post grunge, gracias a la colaboración con Simona Ferrucci en los sintetizadores. En el bajo, Maurizio Troia se unió a la banda con su mezcla de influencias, desde el funk hasta el ska y el post punk, con Luca Zannini, joven y prometedor baterista, que ya trabaja como músico independiente. Antes del lanzamiento del segundo LP, el bajista Maurizio Troia dejó la banda y fue reemplazado también por Francesco Papadia, bajista de Stonewood.

‘RED MOON RISING’ está disponible vía Argonauta Records .

Como un susurro, la magnética línea de bajo nos introduce a ‘Peep show’. Todo un termómetro del contenido de trabajo susurrante y psicodélico que opta por la vía suave para atrapar al oyente. Enigmática y oscura la pista transita por insondables espacios lisérgicos con cierto tono cósmico en un viaje a lo desconocido en el que resulta difícil adivinar el destinado. Con reminiscencias floydianas la canción prescinde de las voces en su épico relato cinematográfico.

En una senda que me recuerda a COLOUR HAZE, ‘Red mon rising’ explora entornos heavy-psych con magnéticos pasajes atmosféricos y una sensación inquietante. En esa senda, la banda se recrea dando forma a la pista con un sonido dinámico que va evolucionando a un entorno chamánico. Voces ecualizadas, ritmos poderosos y guitarras envolventes muestran el buen hacer de los italianos en una ondulante e impactante canción heavy-psych. Todo un caleidoscopio sonoro que proporciona instantes para la expansión mental del oyente haciéndole partícipe de este magnético relato emocional.

En ese mismo entorno lisérgico la apacible ‘Audrey’ emerge sin prisas en un cautivador viaje cósmico. Invitando al oyente a la expansión sensorial, la pista gravita silenciosa en algún insondable lugar del cosmos. Con algún elemento post-rock, los sintetizadores y la guitarra palpitan suavemente creando un bello entorno atmosférico con el relajar nuestros sentidos.

Sustentado por el cinematográfico sonido de sintetizadores ’One of these nights’ supone otra apacible odisea sonora en un mundo alejado de lo terrenal. Comedida en su ritmo, la pista explora bellos momentos post-rock entre su aura psicodélica para elevarse majestuoso con un sonido imponente. Una hermosa canción instrumental.

‘Living spell’  se recrean en la melancolía a través de cálidas y reconfortantes voces bajo una atmósfera envolvente en la que la fusión de la psicodelia y el post-rock encuentran su lugar perfecto. Sus acolchados pasajes se ven alterador por desgarradores momentos con voces atormentadas y una sensación de desasosiego que se amortigua por sus hermosas melodías. Con giros constantes en su relato, la susurrante guitarra se alza en protagonista de los pasajes mas atmosféricos.

La desgarradora ‘The fortune teller’ fusiona a la perfección esa curiosa fusión de psicodelia pesada y post-rock en una misteriosa y susurrante fusión de emociones que son plasmadas con maestría en una pista oscura. La melancolía y los demonios interiores parecen liberar en un siempre alentador relato sonoro. La pista contiene en sus surcos brillantes pasajes de guitarra envueltos en una neblina lisérgica. Su nítido sonido aporta brillantez a otra pista oscura y psicotrópica.

‘Know my name’, pone el broche a este interesante álbum con hermosos pasajes psico-progresivos y un groovy suave y dinámico a partes iguales. La guitarra brilla con fascinantes solos aportando magia a otra canción cautivadora.

Argonauta Records

Reseña: SCHUBMODUL ‘LOST IN KELP FOREST’

El trio alemán SCHUBMODUL nos presenta un tapiz sonoro multicolor en el que los elementos del desierto conviven en armonía con encantadores espacios psicodélicos de alto nivel en su segundo álbum ‘LOST IN KELP FOREST’. Un trabajo conceptual que a diferencia de su debut, no tiene lugar en la inmensidad del espacio, sino en un mundo submarino.  Las seis canciones, principalmente instrumentales, van acompañadas de voces de narradores, que revelan una historia de ficción coherente sobre una densa alfombra atmosférica de sonido. Sacando provecho de diferentes estilos musicales como la psicodelia pesada, el desert-rock o el post-rock, el trio consigue sumergir al oyente en atmósferas magnéticas de las que emergen riffs colosales sobre sus cautivadoras melodías psico-progresivas. Un sonido épico y monumental que se suaviza con hermosos paisajes sonoros llenos de encanto. En una línea cercana a bandas como COLOUR HAZE, ELDER o KING BUFFALO, SCHUBMODUL arropan sus armonías con la esencia del desierto. Esto se traduce en canciones rocosas no exentas de delicadeza y ese tono cautivador con el que enamorar a cualquier fan de psicodelia más gaseosa. Buenas guitarras y una base rítmica como el caparazón de una tortuga se ven acompañadas por unos sintetizadores ocasionales que siempre consiguen sorprender al oyente. Esto hace que las ondulantes canciones se digieran con facilidad dejándonos con ganas de descubrir cual será el nuevo capítulo de este relato sonoro conceptual. La banda sabe como llamar la atención del oyente con momentos épico que siempre culminan en un cenit sónico irresistible. Estamos ante un sorprendente y majestuosos trabajo de una banda que llamará la atención de numerosos seguidores de la escena psicodélica desértica.

La idea de utilizar una palabra hablada encima de la música se inspiró en los álbumes ‘Eyes Like The Sky’ y ‘Murderer Of The Universe’ de King Gizzard & Lizard Wizard.  ‘LOST IN KELP FOREST’ se grabó en agosto de 2023 en el legendario Tonmeisterei en Oldenburg, Alemania.  El álbum completo fue grabado en sólo seis largos días.  La banda estuvo alojada en el estudio durante todo el proceso de grabación, lo que creó una atmósfera única durante el mismo.  Las primeras pistas (Emerald Maze y Silent Echoes) se escribieron poco después del lanzamiento del primer álbum en la primavera de 2022 y establecieron el ambiente básico del álbum.  Las piezas restantes se completaron en el verano de 2023. ‘LOST IN KELP FOREST’ está disponible vía Tonzonen Records

‘Voyage’ nos introduce en este maravilloso relato de psicodelia con elementos stoner de la mejor forma posible. La canción se muestra cautivadora. Sus riffs desérticos son insertados con esmero entre los evocadores paisajes psicodélicos que dominan el álbum. Su fuerte ritmo y la rugosidad de sus riffs, contrastan con unas cuidadas melodías que nos sitúan en un espacio reflexivo sumamente atrayente. Un flujo constante en un entorno melancólico adornado con locuciones impulsa el corte a un mundo sensorial que aúna la psicodelia pesada y el rock del desierto. Pero la cosa no queda ahí, y la banda adorna sus pasajes con elemento que dotan de exotismo a la canción, en esta ocasión completamente instrumental.
 

Enlazado desde el corte anterior, ‘Emerald maze’ acolcha su sonido provocando una relajante sensación en el oyente. El pulsante bajo y las subidas de intensidad, me evocan un sonido cercano a sus compatriotas ROTOR, algo muy de agradecer. Con constantes giros en el relato consiguen que la canción fluya vigorosa entre mágicos pasajes instrumentales perfectamente diseñados para cautivar al oyente creando una burbuja hipnótica de la que es difícil escapar. A lo largo de sus diez minutos la pista oscila recreándose en momentos de gran belleza sonora y una sensación de relajación melancólica que se abre a la luz a través de una guitarra que se inclina a laderas más propias del post-rock, pero sin llegar a atravesar esa frontera del género.  
 
En un ambiente más relajado y naciendo de acordes acústicos ‘Renegade one’ borbotea de un manantial psico-progresivo para ir elevándose sin prisas a un entorno heavy-psych. Su tono calmado sirve de bálsamo para el oyente en un particular Jardín del Edén. Con leves retazos stoner, la pista se muestra esplendorosa a pesar de su sencilla estructura gracias a los múltiples ornamentos que la banda incorpora.  Acercándose a las últimas creaciones de KING BUFFALO, el corte se torna más complejo sin perder su verdadera esencia. Alguna pincelada post-rock ayuda al enriquecimiento musical de la pieza.
 
‘Silent echoes’ resulta un título lo suficiente elocuente como para intuir su contenido. Susurrante y acolchado, el corte no tarda en eclosionar a un espacio más turbulento con acertados desarrollos instrumentales que miran al desierto una vez más.  Otra pista equilibrada que conjuga el magnetismo psicodélico con los argumentos stoner de los alemanes. El resultado es otra canción monumental adornada con esas locuciones que encontramos en parte de las canciones del álbum.

Rugoso en su aspecto, pero completamente magnético ‘Ascension’ juega con elementos metálicos sobre una base de psicodelia ampulosa y grandilocuente. Majestuoso e hipnótico, el corte golpea con un ritmo que te atrapa en sus fauces. Un espacio con bellos pasajes instrumentales que refleja a la perfección el espíritu compositivo del trio. Todo un collage de estilos que aglutina momentos stoner-doom, post-rock, kraut, y por supuesto, la fantástica psicodelia del nuevo milenio.

Sin darnos casi cuenta, llegamos al final del álbum con ‘Revelations’. La locución radiofónica inicial de tonos vintage, deja paso a una pista inquietante que se sumerge en las profundidades de la psicodelia pesada y el stoner más atmosférico. Recuperando el legado de bandas como COLOUR HAZE,  SCHUBMOBUL destapan el tarro de las esencias en una canción con todos los ingredientes que un buen amante de la psicodelia pesada y los sonidos desierto pudiera esperar. Riffs crujientes, melodías de ensueño y un ritmo implacable, impulsan la pista a un espacio arenoso ideal para la expansión mental. Un sinfín de sensaciones que son transmitidas con un gran acierto por el trio y que ponen el epílogo a un álbum sorprendente y fantástico a partes iguales.

Schubmodul

Tonzonen

Reseña: CRACKED MACHINE.- ‘Wormwood’

Sin perder la esencia mostrada en sus primeros álbumes, CRACKED MACHINE se adentra en las profundidades de los espacios psico-progresivos y el post-rock en su álbum más complejo hasta ahora. ‘WORMWOOD’, el cuarto álbum de los británicos avanza en el sonido de una banda que no necesita cantante para transmitir el amplio abanico de sensaciones que contienen sus canciones. El argumento del álbum parece bastante actual… es decir, ¡la perdición de la humanidad, causada por nuestra propia locura! El título del álbum proviene de las numerosas referencias en todas las culturas del mundo al ajenjo (tanto la planta como la estrella) y sus vínculos con la locura y el fin del mundo. Con una mayor complejidad compositiva en los desarrollos atmosféricos, la banda nos sitúa en un espacio ya visto con anterioridad, pero consiguiendo dar una vuelta de tuerca a sus vibraciones lisérgicas con elementos mas propios del post-rock. Las inspiradas canciones muestran imágenes de locura con melodías que nos enseñan un horizonte nuevo en la evolución de una banda que hasta ahora nos había ofrecido gratísimas sensaciones. A su relato cinematográfico CRACKED MACHINE incorporan sintetizadores haciendo que sus canciones se inclinen a un espacio expansivo con el que hacer partícipe al oyente de su particular relato musical. Instalados en transmitir un sinfín de emociones, el trio ejecuta sus canciones con una solidez destacable. Bebiendo a partes iguales de la fuente del post-rock, como del manantial de rock del desierto, la psicodelia de los británicos adquiere una personalidad propia mediante esos impactantes desarrollos progresivos. A veces puede resultar complicado llegar al oyente con este tipo de vibraciones, pero estos chicos saben como llamar la atención de una audiencia que no se conforma con sonidos convencionales. Algo muy de agradecer y que aporta muchos alicientes para el público más exquisito que no se queda con la apuesta sonora que utilizan multitud de bandas pesadas y psicodélicas.

‘WORMWOOD’ estará disponible en formato físico a través del sello Kozmik Artifactz

‘Into The Chronosphere’ nos muestra las cartas de los británicos a las primeras de cambio. Fuertes desarrollos instrumentales empapados en psicodelia son enriquecidos con un tono hipnótico y complejos desarrollos progresivos, algo que veremos en mas canciones del álbum. Sustentados en una potente base rítmica, la guitarra se encarga de llevarnos por diferentes espacios sonoros sin perder jamás el rumbo.

En la segunda pista ‘Song Of Artemis’ bajan las revoluciones para llevarnos a un mundo mágico en el que todo parece suceder desde la calma. En la pista, los elementos post-rock se alternan con complejos pasajes instrumentales que evolucionan constantemente sin dejar de lado un relato que se soporta en la melancolía. La pista contiene bellos pasajes de guitarra custodiados por un cálido sonido de bajo que amortigua la intensidad con destreza. En este crisol sonoro encontramos también referencia al sonido del desierto.

‘The Glowing Sea’ nos trae un sonido más difuso y oscuro sin renunciar al magnetismo de sus composiciones. La vocación cósmica del corte se manifiesta con la incorporación de unos sintetizadores envolventes aportando el tono sideral a una canción que parece gravitar en alguna remota galaxia del cosmos.

Las cosas cambian de alguna manera en Eigenstate’. En esta ocasión los británicos optan por poner algo mas de músculo sin salirse del guion establecido. Palpitante y progresivo el corte se muestra poderoso e imponente. Sus oscuros pasajes van alternando la fuerza con el misterio en un relato que funciona.  

‘Return To Antares’ escarba en las vibraciones psicodélicas mediante la repetición de su melodía. La combinación de bajo y guitarra logra un efecto narcótico que acaba por atraparnos en un entorno a caballo entre lo inquietante y lo hermoso. Una dualidad que se refleja en la complejidad de una pista que bebe también de la fuente del post-rock para crear su propio y cautivador brebaje sonoro.

Con una nueva bajada de intensidad, ‘Burning Mountain’ mantiene la tensión con suaves pasajes instrumentales a los que incorporan ese tono progresivo tan presente en este nuevo álbum. Con una aparente sensación de simplicidad, una escucha intensa nos hará descubrir un mundo sonoro lleno de matices.  

‘Desert Haze’ se desarrolla entre inquietantes riffs atmosféricos creando una atmósfera de misterio. En este espacio el sonido de la banda se aparta de la placidez para sumirnos en un agujero de gusano con el que surcar el insondable espacio sideral. Ese carácter cósmico se manifiesta en la pista con una mayor nitidez que el resto de las composiciones. Todo un relato de ciencia ficción con un carácter cinematográfico.

Como cierre, ‘Wormwood’ la canción que da nombre al álbum, explora territorios heavy-psych con algunos rugosos momentos stoner y una nítida vocación espacial. Una impactante travesía sideral en busca de nuevos espacios en los que expandir su sonido. Toda una evolución de una banda que mantiene su espíritu indómito en busca de nuevas rutas.

Cracked Machine

Kozmik Artifactz

Reseña: IAH.- ‘V’

Los argentinos IAH son una de las bandas más sólidas de la escena del cono sur latinoamericano. Con cuatro alabados álbumes a sus espaldas, habían ofrecido hermosos trabajos en los que predominaba post-rock con un fuerte carácter psicodélico, pero ahora con su quinta entrega, muestran su lado más pesado y experimental. Una faceta no mostrada hasta ahora con tanta contundencia con la que construyen toda una travesía sonora que transita por escarpados y rocosos espacios en los que el post-metal más monumental se presenta en canciones que giran argumentalmente para dar sacar al oyente del hastío. Pasajes ambientales de vocación espacial que son enriquecidos con monumentales y faraónicos desarrollos post-rock son el antídoto que IAH utiliza para equilibrar la desmesura de sus rugosos riffs. Con sutiles soplos shoegaze hacen que los fangosos riffs se conviertan en algo liviano y elegante. Presidido por la melancolía, el álbum contiene elementos suficientes para tanto para despertar al oyente del letargo, como para sumirlo en un gratificante sueño en el que los bellos pasajes de una guitarra rebosante de hermosas texturas acaban por conquistarnos. La inspiración de los argentinos queda plasmada en majestuosas canciones que habitan en un espacio oscuro e intimista creado en un laboratorio en el que versátiles estilos se fusionan en un magnífico, sorprendente y contundente álbum. Conteniendo canciones en línea de bandas como RUSSIAN CIRCLES, las impactantes pistas son construidas para crear un entorno cinemático con una narrativa fluida. Lo cierto es que IAH son una banda con un sonido personal, pero eso no supone un obstáculo para explorar nuevas rutas con las que enriquecer el mismo sin que éste, pierda su esencia. Con su nuevo álbum ‘V’, lo han conseguido. Enhorabuena, prueba superada.

‘V’ fue grabado en Gran Rosa Estudio por Mario Carnerero, mezclado y masterizado en Plutonio Estudio por Mario Carnerero. Asistentes de grabación: Santiago Ludueña y Matías Ruda. Drum Doctor: Fernando Caballero. Guitar Doctor: Mario Carnerero. Asistente: José Bazán. Foto de portada: Feed de plume. Arte: Mauricio Condon. Producido por Mario Carnerero e IAH. Disponible a primeros de año vía Kozmik Artifatcz.

IAH son: Juan Pablo Lucco Borlera (bajo), Mauricio Condon (guitarras y sintetizadores) y José Landín (batería).

El trio nos sumerge lentamente en ‘Kutno’ con una introducción atmosférica de tonos espaciales que tras dos minutos nos sitúa en un entorno en el que los golpes de post-metal hacen crujir el ambiente. Impulsados por unos tambores que redoblan una y otra vez, el grueso sonido de sus densos riffs nos ofrece una versión fornida de los argentinos. Tenemos que esperar a pasar la primera mitad de la canción para encontrarnos esas delicadas melodías a las que nos tienen acostumbrados estos chicos. Ahí, el post-rock mas hermoso aflora en un génesis cubierto por una atmósfera oscura que nos recuerda sus primeros pasos. Una dualidad que refleja las dos caras de IAH tiene en la actualidad. La pista culmina con un torrente de riffs rugosos y pesados que acaban construyendo monumentales espacios sonoros.

Dejando patente que no son una banda que se encasilla en un género, ‘Madre de los suspiros’ presenta algunos momentos shoegaze que hacen evolucionar la pista a un precipicio doomgaze y post-metal en el que todo parece volverse más abrupto. Es allí donde despliegan todo su arsenal de hermosos desarrollos instrumentales entre muros de riffs rugosos. Una canción épica y cinematográfica que culmina con brillantes momentos de guitarra con un aroma exótico.

Los sosegados e hipnóticos acordes de ‘Yaldabaoth’ sirven para explorar boscosos espacios heavy-psych. Efectos, riffs gruesos y un marcado carácter post-metal, violentan el relato. Todo un crisol de estilos dispuestos para sorprender al oyente con un sonido crudo y pesado, pero por momentos mágico y ensoñador. Golpes de doom, momentos sludge, y una psicodelia que se mestiza con el post-rock para presentar al oyente un amplio abanico sonoro. Una ondulante travesía con sus momentos de calma en contraste con otros, verdaderamente tormentosos.  

‘Sono io!’ es un breve interludio de menos de dos minutos con cautivadores y pausados acordes en pura línea post-rock.

Retomando los crujientes riffs ‘Sentado en el borde de una pregunta’ navega entre contundentes riffs y unos abrasadores tambores en aguas sludge, post-metal en su primera mitad, para descender a profundidades post rock en un giro absoluto.

Cerrando el álbum la inquietante ‘Las palabras y el mar’, parece retomar los orígenes de la banda a través de un fascinante escenario psicodélico. Evolucionando lentamente, los acordes se suceden entre una sutil nebulosa de efectos bajo un clima de melancolía. Una canción gris que, al igual que las precedentes, cambia completamente su aspecto pasados tres minutos. Allí el trio retoma la virulencia de sus crujientes y fornidos riffs, para sumirnos en las tinieblas. Manteniendo un ritmo vibrante, el corte serpentea con logrados pasajes de guitarra entre la brumosa base rítmica. Oníricos pasajes post-rock nos sitúan en un plácido entorno sonoro en el que la belleza aflora en cada nota.

IAH

Kozmik Artifactz