RESEÑAS – Página 150

Reseña.- CRACKED MACHINE.- «The call of void»

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Originalmente formados en Wiltshire en 2015 por el guitarrista Bill Denton, CRACKED MACHINE es un cuarteto de músicos experimentados, Juntos en una búsqueda por un caos auditivo. En su segundo álbum «THE CALL OF THE VOID», profundizan en lo que ya nos mostraron en su debut «COSMONAUT», publicado en el otoño de 2.017. «Todos venimos de diferentes orígenes musicales», explica Denton. “Lo que a veces puede ser una situación complicada, pero hemos desarrollado un estilo y un método de trabajo que abarca las diferencias. Hay mucho atasco involucrado en nuestro proceso creativo y hemos aprendido a ser bastante despiadados con las ideas cuando no funcionan y tampoco pensamos demasiado en las ideas que sí lo hacen. Definitivamente prosperamos en el lado de la improvisación de tocar ”. El contenido son siete largos temas en los que los británicos transitan por esa línea que tantas veces hemos pateado entre el post-rock, la psicodelia pesada y los riffs pesados con guitarras llenas de gancho. Una progresión que da como resultado un sonido más compacto y elaborado. Momentos de oscura psicodelia con ampulosos desarrollos que gravitan por el universo espacial describiendo infnitos entornos en los que poder desarrollarse. Con facilidad para construir el estado de ánimo pretendido y la habilidad para transmitirlo con su música.

En envolventes atmósferas transcurren los seis minutos de «Jormungandr». Un tránsito dinámico por espacios heavy-psych con influencia Causa Sui, en un sin fin de efectos que se recuestan en almohadas post-rock.

Bellos desarrollos de guitarra encontramos en «Illuvanka» al cobijo de una milimétrica batería, e intercambiando pareceres con efectos de sintetizadores con un vigilante bajo. Un tema que tiene una vocación stoner que no llega a manifestarse, manteniéndose contenido en su hermosura.

Utilizando distintas tácticas para atrapar al oyente, les sirve de igual manera mostrar sus dotes de seducción para enamorarte o sacar a la bestia para someterte.

Bien sea a ritmo hipnótico como en «Kirimu» en el que van serpenteando entre neblinas e inquietantes sonidos de sintetizadores. Distorsiones y pedales entablan una batalla cuyo resultado es la conquista de un territorio en el obtienen una oscuridad sinfónica. El terreno propicio para dejar llevar nuestra mente a los ecos que despide. Un trance en el que la mente se libera.

«Yamata no orocchi» por territorios de psicodelia espacial está envuelto en nebulososas en las que se respira esa calma inquietante. tornándose algo más progresivo, desde la calma va transmitiendo apacibles sensaciones de sosiego. Todo el clima del tema viene marcado por una pulsante línea de bajo que crea el clímax perfecto para el desarrollo de la trama. Un corte de tonos grises en el que se vislumbra algún momento de melancolía.

Cuanto mas duración tienen los temas, más espacio para desarrollar su creatividad tienen CRACKED MACHINE. «Azi dahakar» un extraño nombre que nos apunta que el contenido puede ser algo exótico. Y si, lo cierto es que aquí la intensidad de la banda adquiere proporciones importantes. Densas estructuras de psicodelia pesada que se moldean a una belleza propia de los excitantes momentos post-rock. Una sutileza que se distribuye en distintos planos para conseguir abarcar más la atención del oyente. Dinámico y pesado, a la vez que sutil y liviano. Algo deben de estar haciendo bien estos chicos….

«Typhon», sería la perfecta banda sonora para un thriller de misterio futurista. Sobre insondables espacios crean un clima inquietante, hipnótico y a la vez tántrico. Vuelve a conjugar la belleza con lo tormentoso. Aquí el papel de la batería tiene mucho que ver en un tema que tiene una clara vocación y que no se moldea como el resto de los que componen «THE CALL OF THE VOID».

Si antes comentaba, que cuanto mayor duración tiene un tema, más espacio para la experimentación tiene el cuarto., «Vritra» vuelve a darme la razón. Cerca de nueve minutos en los que el eclecticismo está presente. Siguiendo una temática similar al resto del álbum, aquí se dejan llevar por la experimentación e incluso la improvisación. Probablemente más densos y menos sutiles, siguen apostando por esa línea entre lo espacial y lo terrenal. Sintetizadores bajo unos ritmos que crean un estado de ánimo que difiere entre la expectación y la relajación hipnótica sobre sus gruesas distorsiones.

«THE CALL OF THE VOID»será lanzado en formato digital, vinilo (negro o naranja / transparente edición) y CD a través de PsyKa Records el 12 de abril de 2019.

La banda la componen: Bill Denton (guitarra), Chris Sutton (bajo), Clive Noyes teclados y voces) y Blazej Gradziel (batería).

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Reseña.- CITIES OF MARS.-«The horologist»

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El trío sueco CITIES OF MARS publica su segundo álbum «THE HOROLOGIST» vía Ripple Music. Unos alumnos aventajados de la escena pesada que superan las expectativas creadas con su debut. Con la suficiente habilidad para conjugar el doom-metal con las vibraciones heavy-psych, nos ofrecen un trabajo aplastante. Solidez y contundencia en un disco conceptual en el que se cavan su reputación a base de pesados riffs con las suficientes dosis de viaje trascendental como para que el resultado sea apabullante. Riffs masivos llegados desde el planeta rojo nos invaden bajo un halo de psicodelia que por momentos adquiere tonos progresivos. con unas voces que gritan a los cuatro vientos los temas desangrándose. Un punto de luz en la escena doom, y teniendo en cuenta de donde vienen, tras sus riffs viene una estela espacial persiguiéndolos. entornos nebulosos de los que salen con voces ya usadas por Elder con las que conjugan los momentos de psicodelia pesada en los que ingravitan, con los más terrenales y apabullantes en los momentos en los que su sonido engrandece mostrando toda su pesadez. «THE HOROLOGIST» es una relato de ciencia ficción bien construido en el que las melodías son cuidadas con esmero. Esos momentos son los que mas me convencen del álbum, y en los que exponen su creatividad compositiva y su buen hacer. Un disco apto para los amantes de los «viajes» así como para los más metaleros y doomies en los que la herencia de Mastodón parece vislumbrarse entre sus surcos.

Con estos antecedentes abren el álbum con su cara más pesada en «Necronograph». Mostruosos, pesados y gritones, la iconografia pseudo-ocultista aparece en unas voces ahogadas pero limpias sobre la contundencia y lentitud de sus estructura. Arrastrando a su paso un reguero de fuzz las voces se replican entre ellas. A ritmo lento pero denso van construyendo un corte que refleja el camino tomado por estos marcianos llegados de Escandinavia. Es el tema mas largo del trabajo y sirve de perfecto escaparate para el contenido de sus surcos. Desde mi punto de vista me aparecen mucho más atrayentes cuando bajan las revoluciones para mostrarse atmosféricos que cuando se vuelven más pesados.

Por los caminos del doom «Trenches of Bahbelon», coquetea con espacios más propios del post-metal dentro de esa combinación con la psicodelia más pesada. Un pulsante bajo tira de la maquinaria mientras las plegarias sacerdotales de esas particulares voces recitan una liturgia progresiva. Coros celestiales entre momentos en los que muestran sus virtuosismo con las guitarras…

La fragil instrumentación, contrasta con una batería potente en «Inner sanctum outer space» Bellas melodías en espacios de una oscuridad latente con ese constante intercambio de voces que transmiten un desasosiego mientras vuelven en otra embestida doom. A caballo entre el post-metal y los sonidos espaciales tde tintes psico-progresivos, puede que estemos ante el tema más experimental.

«Hydraed» es donde la banda deja más de lado las sutilezas para arremeter con toda su fuerza dejando escasas pinceladas de melodía en un tema oscuro y tenebroso. menos originales, y siguiendo más los dictados de la escena psycho-doom con tintes sludge.

Teniendo en cuenta su nombre, las vibraciones espaciales tenían que aparecen con una mayor nitidez, y «The last electric dream» es el marco perfecto para que esto suceda. Aquí los susurrantes efectos sirven de antesala a un viaje intergaláctico que nos acaricia y nos va llevando a escenarios post-metal. el tema su une a «The floating museum» en la misma línea hacía el doom-metal.

El lado mas tierno de los suecos lo enseñan en «Work song». Cambiando el registro crean un tema acústico en tonos que se acercan al folk. Melodioso sus voces corales crean un entorno de melancolía y añoranza. Está claro que el trío no quiere renunciar a sus pesada resonancias, aunque aquí solo aparezcan en algunos arreones de una batería que aporta el lado ritual.

«Lines in the dark» completa un interesante trabajo en los tonos tenebrosos mostrados en el resto de temas y la misma dinámica vocal. Psycho-doom con las mismas voces ahogadas y chillonas a la vez. Un corte que no pierde la vocación post.metal y sludge bajo su aspecto doom.

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Reseña.- DATURA4.- «Blessed is the boogie»

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Los australianos DATURA4 hacía tiempo que no nos daban alegrías en forma de nuevo trabajo. Sin noticias de ellos me llevo la sorpresa de la publicación de éste “BLESSED IS THE BOOGIE”, vía Alive naturalsound Records. La formación comandada por Dom Marini (voz y guitarra) acompañado por Greg Hitcock (guitarra y voces), Warren Hill (batería) y Stu Loasby al bajo, casi cuatro años después resurge de sus cenizas de la mejor manera posible.

Desde sus primeros riffs muestran sus cartas en un disco que no tiene artificios. Rock, boogie y blues asesino. Temas que van directos a la yugular demostrando el espíritu que ha tenido siempre el rock and roll. Esto dicho así, puede parecer que estamos ante un trabajo anodino. Nada más lejos de la realidad, Con un título como “BLESSED IS THE BOOGIE”, caben pocas interpretaciones. Una bendición para recibir con alegría, y si, hay mucho boogie-rock, pero no solo eso. Con un sonido que puede recordarnos a grande de los setenta como The Groundhogs, Savoy Brown, los mismismos Zeppelin. Con momentos que pueden acercarse a Grand Funk. Un disco de esos que cuando los pones sus vibraciones no puedes quitártelas de la cabeza. El álbum tiene dos caras diferenciadas, una primera en la que el boogie-rock es predominante y otra más calmada en la que la banda ejecutan unos temas más apacibles usando distintos elementos sonoros y dando más protagonismo a las melodías. .

«Black Dog Keep Running», con sus riffs pegadizos y esa estela de fuzz a su paso, hace que hagamos un pequeño viaje en el tiempo varias décadas atrás, cuando las bandas de rock llenaban estadios y sonaban en las radio-fórmulas sin ningún complejo. Algún eco proto-metal en sus surcos completa una notable carta de presentación.

El tema que da título al álbum, “Blessed is the boogie”, es de alguna forma, su piedra filosofal. Boogie-rock en pura línea Canned Head, con la armónica marcando los compases y ese ritmo boogie, obtiene un corte limpio y freso. Contagiosa y rememorando al John Lee Hooker con un toque stonerizado. Sus coros y sus paseos de wah-wah subterráneos hacen el resto para que la fórmula sea perfecta.

En una línea similar, “Looper” sigue ese camino abierto por el que el que el boogie-rock más vital y enérgico en el que las guitarras hacen un pacto con el diablo. Una cadencia rítmica imperturbable completa un cuadro sonoro que alcanza el sobresaliente.

Bebiendo de la fuente de inspiración del blues-rock, “Run with Lucy”, una vez bien hidratados, descargan su vacación del rock más sudoroso y con olor a humo. Se trata de esos temas ideales para animar una de esas largas noches de desenfreno de rocanrolero. Un corte ardiente en todos sus acordes.

Con la incursión del órgano vibrante “Ooh Poo Pah Do” (no tengo ni idea de lo que significa el nombre del tema), sigue la senda del blues-rock más incendiario. Seguramente con los de Savoy Brown, venga a nuestra mente. Para alguien como yo, escuchar este sonido en 2.019 es una regresión a mi juventud, sin distinguir diferencia alguna entre aquellas vibraciones y éstas, el cuerpo no podrá permanecer en reposo escuchando sus notas.

Con una línea más americana, y cercana a postulados Grand Funk, “Sound of Gold” se acercan a momentos glam, o incluso a vibraciones Stones. Mas macarras conjugan estribillos pegadizos con una cadencia rítmica inquebrantable.

“Evil people, Pt. 2” se visten con extrañas prendas entre Groundhogs y los mismísimos The Doors del “Riders on the storm”. Usando tonos retro con aires psych, y mucho wah-wah, crean un corte más viajero y penetrante. Un tema con altas dosis de thc en sus surcos. Y ese hammond sigue volviendo me loco…..

Los primeros acordes de “Not for me” inevitablemente nos recuerdan al tema “More tan a feeling” de Boston. Partiendo de ahí van construyendo un plácido corte sobre tiempos medios. Voces ensoñadoras relata una estampa llena de romanticismo. Una lucha entre la guitarra y el sonido del órgano con un nuevo asalto. Incluso si escarbamos en las melodías vocales podríamos encontrar alguna referencia Beatles. Sin caer en lo ñoño construyen algo que por momentos se acerca a una balada, y que finalmente se decanta por los sonidos sureños. La aturdidora guitarra no ceja en su empeño por aturdirnos. El resultado es un tema impresionante y muy bien construido.

“Cat on a roof”, por caminos más calmados bajan las revoluciones. Ahora en lugar de excitar nuestro cuerpo con ritmos contagiosos , se meten más en nuestra mente con magnetizantes sonidos de rock clásico.

Si algo no puedes achacar a los australianos es que sean monótonos o aburridos. Tienen la calidad suficiente como para que todos sus temas tengan su propio gancho. Manteniéndonos siempre atentos y dejándonos de sorprender con su modulaciones y depurada técnica.

Seguramente son sonidos tradicionales, pero ejecutado de una forma brillante y atrayente.

Instalados en calmados espacios en los que la psicodelia y el rock clásico se unen en una encrucijada, “The city of lights”, ofrece una de sus vertientes más melosas. Una dulzura sonora con sabor a miel. Un tarro de se ve asaltado con un cortante cuchillo salido de la guitarra con ciertas dosis de virtuosismo. E incluso alguna cadencia usada por el primer David Bowie. Uno de esos temas que no deja de serpentear en su apacible transitar y en el que el órgano vuelve a estar muy presente en su co-existencia con los solos de la guitarra..

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Reseña: THE DRY MOUTHS.- «Memories From Pines Bridge»

Portada - The Dry Mouths - Memories From Pines Bridge

Una bucólica estampa en la portada del sexto trabajo de los almerienses THE DRY MOUTHS nos da pistas del contenido de un álbum marcado por la tragedia y lleno de simbolismo para el trío andaluz. Coincidiendo con el que sería 34 cumpleaños de su bajista Andrés, tristemente fallecido hace pocas fechas, ven la luz unas grabaciones en las que el propio Andrés participó y que se encontraban en fase de preparación para su salida cuando nos dejó. La banda ha querido que esto sea un homenaje a su compañero y amigo y que su legado no quede en el olvido cerrando un ciclo en lo profesional y en lo personal. Un disco que recoge improvisaciones y pasajes instrumentales en tonos psico-hipnóticos. Siempre desde una poética mirada interior. Un trabajo hecho para los adentros, ideal para la reflexión en soledad. Melancolía y reflexión desde la tristeza de unos introvertidos y espontáneos temas que seguramente reflejan uno de los estados en los que el músico más goza, improvisando, sin ataduras. Esas sensaciones quedan plasmadas en un trabajo con muchos tonos grises y que fue realizado en el estudio con la premisa de hacer canciones emotivas que recordaran a algo, según me cuenta su guitarrista Chris. Lo cierto que tras esta afirmación, THE DRY MOUTHS obtiene su objetivo, porque si algo tiene (entre otras muchas cosas) «MEMORIES FROM PINES BRIDGE», es emotividad.

«La Chaussure» abre este emotivo trabajo con elegantes desarrollos aterciopelados de resonancias post-rock. Sin prisas, el tema fluye con una acompasada sección rítmica, y atractivos acordes que salen de la guitarra de Christ O. con ensoñadores espacios poéticos en los que el sosiego es el rey de un reino sin súbditos. Evocando la soledad alejados del mundanal ruino en algún paraje remoto.

Una hipnótica entrada da paso a fornidos riffs que cabalgan al galope a lomos de resonancias stoner para pasar a caminar al trote en campos de psicodelia pesada al más puro estilo ROTOR en «Low savvia». Densos ritmos entremezclados con seductores momentos de guitarras. Terapéuticos solos que son custodiados por fornidos riffs. Destacando la nitidez con la que se pueden apreciar cada uno de los instrumentos haciendo su labor y poniendo su propio granito de arena en la construcción de una majestuosa montaña. Un hipnótico y anestesiante viaje a través de los sentidos, poniendo a prueba tanto nuestra resistencia como nuestra sensibilidad. Suaves brisas que se ven violentadas por arenosos tornados que una vez han pasado, devuelven el sosiego. ¡¡¡Enorme!!!; y sobre todo, teniendo en cuenta que es un tema que nace de una jam.

«Mangai maroke», nos presenta un colorido caleidoscopio de reverberaciones lisergicas, entre estructuras post-rock. Entre ambos estilos la guitarra nos adormece con sus melodías mientras el sonido del bajo de Andrés arropa la aparente fragilidad de los acordes. Describiendo un bucólico cuadro donde todo sucede con pausa. Los efectos aparecen enseñándonos el lado más psicodelico de THE DRY MOUTHS. en realidad estamos ante una estructura simple que se repite con naturalidad con un brillante resultado. Relajante corte que decae a espacios más grises según se van apagando sus acordes.

A lo largo de un minuto se suceden los efectos y distorsiones en un esquizoide tema como es «L’enfer».

El bajo de Andrés aparece de forma sublime antes de que la la guitarra de Christ O comience a describir bellos entornos paradisíacos. «El Cairo ’78» La sutileza ornamental del post-rock ejecutada de una forma serena. Un ejercicio de técnica en la que el trío parece ejecutar su música como una mirada interior formando parte de sí mismos. Una estampa gris y melancólica para degustar desde la calma y que consigue hacerte partícipe de las sensaciones que pudieran tener los músicos mientras la ejecutaban.

El tema más largo de «MEMORIES FROM PINES BRIDGE» con algo mas de nueve minutos. «Impromental VII,, moustachette», en una fina línea entre la psicodelia y el post-rock mas oscuro, sus acordes están llenos de intrigantes momentos. Partiendo de calmados pasajes el corte va evolucionando robusteciéndose. Magnetizantes e hipnóticos, la cadencia de las cuatro cuerdas nos va elevando a insondables espacios psico-espaciales. Los almeriense ejecutan los temas improvisando, de hecho, estamos ante autenticas jams que cobran sentido en sí mismas. La oscuridad y los entornos en blanco y negro suelen ser una constante en todos los cortes. Siempre con ese hipnotismo que puede proceder de algunas de las propuestas new-kraut, dentro de los parámetros psicodelicos en los que se mueven. Completamente hechizantes no estamos ante uno de esos disco que nos alegren las mañanas con su frescura. Este es un trabajo para degustar y empaparte de todos sus matices con la calma de la soledad como si fuera un elemento más para alcanzar el propio bienestar interior. Seguramente sea el corte más experimental de todo el disco, pero es brillante.

«Promenade» no se separa de la ruta marcada en el resto de los temas. Ahora con ciertas influencias jazz en sus acordes la psicodelia sigue presente, susurrante bajo los efectos de la guitarra y el hipnótico bajo que lleva el peso del tema, creando la atmósfera precisa. La cadencia de la batería de John toma prestados esos ritmos de alguna de las esquinas jazzeras más elegantes.

Sueños flotantes en «Bootha», más centrado en el post-rock minimalista, con armonías calmadas, que son ejecutadas con sosiego y mesura. La prisa y el estrés no existen con la terapia curativa que supone un tema ausente de ritmos y compuesto solo por los acordes y efectos de la guitarra.

«La siesta (sleep paralysis)» es un tema atormentado. Una narrativa pseudo-espacial de tintes futuristas generada por los envolventes efectos que revolotean sobre sus ritmos. La parte mas histrionica de THE DRY MOUTHS hace acto de presencia, inquietantes y enigmáticos. Una desazón que poco a poco va desapareciendo llevándonos hasta los brazos de morfeo.

Grabado en Sonobalance Studio por Víctor Ortíz, Alberto Chamorro y Daniel Ruíz.

Mezclado en Desert City Studio por Christ O. Rodrigues, Andy Reyes y Josh Morales.

Masterizado en Kadifornia Mastering por Mario G. Alberni.

«MEMORIES FROM PINES BRIDGE» será publicado en formato CD por Aneurisma Records.
Y la edición del vinilo correrá a cargo de Spinda Records, Aneurisma Records, Zona Rock Productions, Surnia Records, Monasterio de Cultura y Odio Sonoro.

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Reseña.- PHARLEE.- «Pharlee»

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Nacidos de la prolífica escena psicodélica de San Diego, con Justin «Figgy» Figueroa (Harsh Toke, Arctic) en la guitarra, Dylan Donovan (Sacri Monti) en el bajo, Zachary Oakley (Joy, Volcano) a la batería y Garret Lekas en los teclados. aportando un toque vintage a la exuberancia y desmesura de sus temas, más la portentosa y rabiosa voz de Macarena Rivera que pone la nota del blues más rabioso, publican su debut homónimo bajo el sello Tee Pee Records.

PHARLEE construyen una vorágine de hard-rock con ondulaciones a lo largo de sus surcos contagiosos y riffs influenciados por el blues, tejidos con un hilo de psicodelia que se convierte en una bacanal rítmica de proporciones desmesuradas. Influenciados por el hard-rock de los setenta al que le incorporan altos dosis de sonidos psicotrópicos que mitigan con los tonos blues-rock de la voz de Macarena, la que pone orden en el presunto caos que construyen el quinteto. Dinámicos, no dudan en fusionar elementos del sonido de la Costa oeste con el heavy-psych más ácido y corrosivo y el latente espíritu blues. una perturbadora sección de ritmo en la que los músicos cambian sus instrumentos habituales para generan un nuevo espectro de proporciones descomunales. Con ecos que pueden llegar desde Blues Pills, Ruby The Hatchet o Electric Citizen, a la enajenación lisérgica de Earthless. Toda una locura de disco que volará la cabeza del oyente con sus enajenadas distorsiones y la rabia con la que está ejecutado.

Está claro que el espíritu de la escena de San Diego queda fielmente reflejada aquí. Músicos que experimentan con instrumentos que no son que utilizan habitualmente y que se dejan llevar por sus instintos, siempre optimistas y fiesteros.

Seis temas no muy largos y que van directos al grano. Solo hay que escuchar los primeros de riffs de “Ethereal woman”, para darnos cuenta de la exuberancia de los californianos.

Dinamismo arrollador con ritmos diabólicos mientras el potente órgano retro trata de poner algo de cordura a un tema que transita a toda velocidad enseñando toda la locura de las bandas de San Diego, y añadiendo una buena dosis del blues-rock más desgarrado. Una bestialidad de tema que deja un rastro de desolación a su paso

“Creeping”, ondula entre los vientos retro con un ritmo frenético, con constantes giros mientras Macarena aporta su magia soul-blues sobre el caos que tiene con ella. La demencia se frena para ofrecernos desarrollos en los que la guitarra libra una batalla con el órgano por llevar las riendas del tema a su terreno favorito.

Otro impactante tema es “Darkness hour”. Algo más luminoso que sus predecesores parece vivir más cómodo en los ecos de los setenta. Nebulosas rítmicas arropan los juegos vocales blues, mientras Zach y su batería parecen no tener freno. Con un aura más humeante, estamos ante un tema del rock más contundente de los setenta ejecutados por músicos que no habían nacido entonces.

Estamos ante una especie de ser nacido de la fecundación entre Earthless y Blues Pills y vestido con trajes retro.

El misticismo y la espiritualidad abren “Warning”, posiblemente el tema más destacable del álbum. En acústico y con elementos orientales, va creando el clima desde su espíritu chamánico, para atraernos a sus surcos. Una vez anestesiados, los pesados riffs y una voz que ahora se torna a tonos ocultistas, van manteniendo una calma tensa que no sabemos cuando puede estallar. La explosiva mezcla de guitarras fluidas y el peso de imponente hammond de Garret, mantienen el equilibrio, mientras las voces sigues hechizándonos. Creando un espacio de fuzz espeso y nebuloso entre los conjuros vocales y la inquietud de las teclas.

El quinteto se atreve con una versión del clásico “Going down”. En mi vida he conocido multiples versiones de éste tema, pero ésta tiene algo de particular. Una sensual versión de baja intensidad. Un registro entre contenido y salvaje que mantiene su esencia blues. Como a cámara lenta, las guitarras hacen sus florituras con distorsiones con la atenta mirada de control del órgano. Un tema que gira más hacia el blues que hacia el rock con el que fue concebido. En su conjunto, una versión de las más contenidas de un tema que se presta a ser salvaje, y a eso no se pueden resistir con un final apoteósico en el que la locura se vuelve a apoderar de PHARLEE en otra bacanal de guitarras salvajes y ritmos infernales.

Teniendo en cuenta que el registro fue grabado en un equipo analógico, puede que nos lleve ante un sonido más auténtico en el que las membranas de los altavoces de nuestro equipo sean puestas a prueba.

“Sunward”, el tema que cierra este debut, vive de una conjunción de elementos. Con vocación retro-rock stonerizada, la banda toma elementos desérticos en una combinación con registros soul-blues enérgicos. Desatando la rabia sobre ese torbellino rítmico que se acelera y entra en bucle. Con una segunda parte con otro aspecto más calmado en el que los sonidos de guitarras psicodélicas se entremezclan con voces más cercanas a momentos west-coast.